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I 50 migliori film su HBO Max, classificati (gennaio 2022) [PASTEMAG]

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I migliori film su HBO Max non riflettono nulla se non il culmine della nostra distopia in streaming. Apparentemente, questa è una buona cosa: di seguito troverai capolavori dopo capolavoro di artisti del calibro di Stanley Kubrick, Agnes Varda, Alfred Hitchcock, David Lynch, Barbara Kopple, Jacques Demy, Akira Kurosawa, i Maysles, Pennebaker, Ingmar Bergman: quelli alla ricerca di un corso accelerato nel cinema mondiale può praticamente ringraziare da solo la piegatura di Turner Classic Movies sotto lo stendardo della HBO per le taglie che stanno per inalare. Fondamentalmente, è come Criterion Channel Lite in alcuni dei suoi angoli più intellettuali.

Come la maggior parte degli altri servizi di streaming che non sono di proprietà, ad esempio, della House of Mouse, non esiste un vero tema generale da ciò che HBO Max presenta, ed è esattamente il motivo per cui HBO Max rappresenta un così potente bisogno di girare e lasciare che tutto accada . Persino Hayao Miyazaki, notoriamente contrario alla disponibilità dei suoi film sui servizi di streaming, alla fine ha ceduto. Mentre una volta questi servizi di streaming rappresentavano un’alternativa più accessibile a un pacchetto TV via cavo troppo costoso, ora non ci viene data alcuna alternativa, anche se praticamente tutti i film immaginabili è disponibile per la visione in questo momento. Benvenuto HBO Max: anche tu hai un pezzo di noi.

Troverai molte gemme francesi qui, per non parlare di una selezione essenziale di documentari, film muti, articoli di fantascienza, psichedelici film di mostri, musical e ogni sfumatura di esca da Oscar nel mezzo.

Ecco i 50 migliori film su HBO Max in questo momento:

1. 2001: Una odissea spaziale

Anno: 1968
La direttrice : Stanley Kubrick
Stelle: Keir Dullea, Gary Lockwood, Douglas Rain, William Sylvester
Valutazione: G
Tempo di esecuzione: 120 minuti

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Cinquant’anni fa, Stanley Kubrick raccontava la storia di tutto: della vita, dell’universo, del dolore e della perdita e il modo in cui la realtà e il tempo cambiano mentre noi, questi insignificanti viaggiatori, navighiamo attraverso tutto, tentando di cambiarlo tutto, incerti se abbiamo cambiato qualcosa. Scritto da Kubrick e Arthur C. Clarke (il cui romanzo, concepito insieme alla sceneggiatura, è uscito non molto tempo dopo la prima del film), 2001: A Space Odyssey inizia con le origini della razza umana e termina con l’alba di tutto ciò che verrà dopo di noi, girando sopra il nostro pianeta, simile a un dio, un feto spaziale di quinta dimensione apparentemente onnisciente, si spera benevolo, che abbraccia innumerevoli anni luce e millenni in mezzo. Eppure, nonostante i suoi ambiziosi balzi e la portata appena incomprensibile, a ogni gesto simbolico elevato Kubrick abbina un momento di intima umanità: la tristezza della morte di un potente intelletto; lo shock di un omicidio a sangue freddo; le minuzie e la noia di mantenere i nostri corpi in funzione ogni giorno; la lotta e il timore reverenziale di incontrare qualcosa che non possiamo spiegare; il bisogno inespresso di sopravvivere, mai messo in discussione perché non troverà mai risposta. Molto più di un documento speculativo sulla razza umana che colonizza il Sistema Solare, 2001 chiede perché facciamo quello che facciamo—perché, contro così tante forze di opposizione, viste e non, ci spingiamo verso l’esterno, oltre i margini di tutti che sappiamo, tutto ciò che abbiamo bisogno di sapere? Tra riprese lunghe di corpi che setacciano lo spazio, navi e cosmonauti che fluttuano silenziosamente nell’ignoto, Kubrick trova grazia, aiutato, ovviamente, da un’epica colonna sonora classica che oggi non riusciamo a districare dalle immagini indelebili di Kubrick, e nella grazia trova uno scopo : Se possiamo trascendere le nostre radici terrestri con curiosità e impavidità, allora dovremmo. Perchè noi possiamo. Che la fine dell’odissea di Kubrick ci riporti all’inizio non fa che ribadire questo scopo: siamo, e siamo sempre stati, i navigatori del nostro destino. —Dom Sinacola


2. Malcolm X

Anno: 1992
Regista:
Spike Lee
Stelle: Denzel Washington, Angela Bassett, Albert Hall, Al Freeman Jr., Delroy Lindo
Valutazione: PG-
Tempo di esecuzione: 144 minuti

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Il capolavoro di Spike Lee Fai la cosa giusta (1996) avrebbe potuto facilmente entrare in questa lista, ma l’altro apice della carriera di Lee è il suo epico film biografico sul controverso ’50 s attivista. L’imponente performance di Denzel Washington è il punto cruciale del film, con un carisma infuocato che pulsa sotto un aspetto raccolto. Senza paura di sondare le profondità delle debolezze dell’uomo, sia ideologiche che personali, Lee si assume il compito di smitizzare una leggenda moderna. Un inquietante culmine del film arriva durante l’uso evocativo di A Change is Gonna Come di Otis Redding; mentre l’emozionante richiesta di diritti civili si contrappone al drammatico percorso che ha portato all’assassinio di Malcolm X.—Christina Newland


3. La città incantata

Anno: 2001
Regista:
Hayao Miyazaki
Stelle: Rumi Hiiragi, Miyu Irino, Mari Natsuki, Yumi Tamai
Valutazione: PG
Tempo di esecuzione: 125 minuti

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Cosa c’è di Spirited Away di Hayao Miyazaki che lo rende uno dei suoi più grandi, se non i film più grandi che abbia mai realizzato? Forse è perché rappresenta la migliore espressione dei suoi temi e concetti più determinanti: la forza e la perseveranza di una giovane donna, la gloria estatica del volo, la lotta spirituale dell’amnesia personale e culturale con la società giapponese, il potere redentore dell’amore. Forse ha qualcosa a che fare con il punto cruciale della storia del film che è così archetipicamente identificabile, non tanto una rivisitazione moderna quanto un’evocazione spirituale di Alice nel paese delle meraviglie di Lewis Carroll. un’odissea d’infanzia in un mondo che sembra allo stesso tempo familiare e estraneo. In ogni caso, non c’è niente come guardare per la prima volta Spirited Away. L’immagine di Chihiro (Rumi Hiiragi), dopo aver scoperto i suoi genitori trasformati in maiali, che corrono freneticamente per le strade mentre la città che la circonda prende vita, luci tremolanti e spiriti che salgono dalla terra, è a dir poco magica. Presentati film come Nausicaä, Princess Mononoke e My Neighbor Totoro il mondo a Hayao Miyazaki, ma è stato Spirited Away che ha assicurato il suo nome tra i canoni dei più grandi animatori mai vissuti, assicurando la sua eredità per i decenni a venire. —Toussaint Egan


4. La passione di Giovanna d’Arco

Anno: 1491
Regista: Carl Theodor Dreyer
Stelle: Renée Jeanne Falconetti, Eugene Silvain, Antonin Artaud, Maurice Schultz
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 60 minuti

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La faccia di Renée Jeanne Falconetti è nel tuo cervello, che tu ne sia consapevole o meno. I suoi contorni e le sue screziature, sormontati da capelli privi di sostanza o di stile, la testa centrata da due grandi occhi pieni di lacrime, in sovrapposizione tra estasi e miseria anche se stiamo fissando at her—consuma uno spazio sconfinato nel regista danese Carl Th. Il capolavoro muto di Dreyer, apparentemente sospeso nel lungo corso della storia tra ora (ogni volta che succede ora) e quando Dreyer ha immaginato per la prima volta questa esperienza immersiva ed espressionista. Dreyer ha scritto del suo film: “Quello che contava era far assorbire lo spettatore nel passato” e poi “era necessario uno studio approfondito dei documenti del processo di riabilitazione; Non studiavo i vestiti dell’epoca, e cose del genere. L’anno dell’evento mi è sembrato tanto irrilevante quanto la sua distanza dal presente». Sebbene La passione di Giovanna d’Arco Dreyer basato sul 1491 trascrizioni del processo del suo santo titolare per eresia (il regista accolto dalla Société Générale des Films per girare un film in Francia, la sua scelta del soggetto rafforzata dalla canonizzazione francese di Giovanna d’Arco dopo la prima guerra mondiale), fornisce pochi dettagli visivi o contesto storico. Invece sommerge lo spettatore nella prospettiva di Joan, ci tiene la mano sulla testa mentre anneghiamo nel tormento di ciò a cui è sottoposta, rilasciando raramente il suo peso tranne che negli ultimi momenti del film, quando l’esecuzione sul rogo di Joan scatena violenza in tutta la cittadinanza . Ma soprattutto: quella faccia, sbalordita nel tempo. In particolare, in Vivre sa vie di Jean-Luc Godard, il regista osserva come la sua protagonista, Nana (Anna Karina), osserva Giovanna d’Arco, illuminando in primo piano il suo viso rigato dalle lacrime mentre sperimenta qualcosa delle stesse immagini davanti a sé. Godard riflette il volto di Falconetti in quello di Karina, che abbraccia più di tre decenni come se non fossero niente. Forse non c’è un’ode migliore al potere di ciò che Dreyer ha ottenuto: l’eternità sopportata dalla tragedia della nostra carne troppo debole, fin troppo umana. —Dom Sinacola


5. 8 1/2

Anno: 1962

Regista: Federico Fellini
Stelle : Marcello Mastroiani, Claudia Cardinale, Anouk Aimee
Classificazione:
NR
Durata: 120 minuti

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Con Fellini vaghiamo nell’ombra della sua psiche, chiedendoci dove iniziano i suoi ricordi e dove le psicosi di Guido (Marcello Mastroiani) fine. Forse la più impressionante fusione di sogni e fantasie di Fellini, di verità morale e fallacia onirica, di spazio e tempo, 8 ½ racconta la sua storia in strisce di Möbius, avvolgendo le realtà nelle realtà in ordine lasciare il pubblico impotente sepolto nell’egocentrismo del suo personaggio principale. L’ossessione di Guido è così introspettiva che non può fare a meno di distruggere ogni singola relazione intima della sua vita, eppure, appendendo la narrazione del film alla lotta di un regista per realizzare il suo ultimo film, il titolo si riferisce al fatto che questo era l’ottavo e mezzo lungometraggio di Fellini—l’iconico regista italiano sembra affermare che il genio artistico praticamente esige tale solipsismo. È un’affermazione sfacciata per un film da fare, ma Fellini lo fa con tale grazia e visione, con tale intento senza soluzione di continuità, 8 ½ diventa un capolavoro agrodolce: limpido, dolorante e intriso con nostalgia, celebra il tipo di vita gloriosa che solo il cinema può offrire. —Dom Sinacola


6. Gli ombrelli di Cherbourg

Anno: 1964

Regista: Jacques Demy
Stelle: Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon
Valutazione: G
Tempo di esecuzione: 82 minuti

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Il capolavoro di Jacques Demy è una storia impennata, vibrante, innatamente agrodolce di amore perduto, ritrovato e sciolto per sempre, un’altra vittima in tempo di guerra in un paese segnato da un conflitto militare. The Umbrellas of Cherbourg è vissuto, una storia derivata dall’esperienza di vita di Demy, e quella parola chiave – “esperienza” – è essenziale per far scattare il film. Togli i suoi spunti musicali e ti rimane una narrazione su un giovane uomo (Nino Castelnuovo) e una giovane donna (Catherine Deneuve) che si innamorano profondamente l’uno dell’altra, solo per essere dilaniati quando viene arruolato per combattere all’estero . La storia rimane radicata nel pathos di Demy, e il pathos dà gravità a Umbrellas. La musica, ovviamente, è una parte fondamentale del suo carattere, una dose di magia che Demy usa per sostenere i rigori della vita in tempo di guerra con grandezza e significato. È un film su persone innamorate che si disinnamorano e poi si innamorano di nuovo di nuovi partner e sentimenti alterati, una bella foto che potrebbe farti svenire quanto spezzarti il ​​cuore. —Andy Crump


7. Sette Samurai

Anno: 1955

Regista: Akira Kurosawa
Stelle: Toshiro Mifune, Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Kuninori Kodo
Valutazione: R
Durata: 201 minuti

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Il film di Akira Kurosawa preferito dal cuore è Ikiru, mentre quello del cervello è sempre dead-set su Seven Samurai. Dimentica la miriade di remake e rivisitazioni ufficiali e non ufficiali, basti pensare praticamente a qualsiasi ambizioso filone di azione/avventura, a storie avvincenti di perdenti che combattono forze apparentemente imbattibili che minacciano la loro esistenza, con solo coraggio, ingegno e spavalderia dalla loro parte: Seven Samurai è integrato in quel DNA. Dai più piccoli dettagli della sua struttura, fino all’inquadratura, al design e alla coreografia specifici, le scelte di Kurosawa lo rendono facilmente uno dei più grandi film mai realizzati. —Oktay Ege Kozak



8. Casablanca

Anno: 1942
Regista: Michael Curtiz
Stelle: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Peter Lorre
Valutazione: PG
Tempo di esecuzione: 102 minuti

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Ci sono probabilmente un discreto numero di tipi di autori e teorici che caviglierebbero con me per dire che Casablanca è un film perfetto. Il team di produzione non lo considerava un grosso problema, infatti; solo uno delle centinaia di film realizzati quell’anno (nonostante un cast di major league e grandi scrittori). Si è comportato in modo solido al botteghino, anche se non in modo spettacolare. Poi ha vinto un sacco di Academy Awards. Poi la sua reputazione iniziò a crescere. Una delle tante cose interessanti di Casablanca è la sua durata epica: la storia sembra fresca e reale oggi come lo era in 1942. Un dramma romantico con toni politici e un sacco di arguzia, presenta superbe interpretazioni di Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, Peter Lorre, Sydney Greenstreet e Paul Henreid (per cominciare). Amore condannato, sacrificio di sé, battute in abbondanza di Bogie e uno dei momenti cinematografici più per eccellenza della sua epoca (entrambi i miei figli sono nati dopo i 9 anni/11 e anche loro hanno esultato quando quel coro della Marsigliese ha soffocato nazisti). Intelligente, dolce e spiritoso; probabilmente il film per eccellenza del 1940, e uno dei migliori film di benessere del 20 secolo. —Amy Glynn


9. Il Cavaliere Oscuro

Anno: 2008
Regista: Christopher Nolan

Stelle: Christian Bale, Heath Ledger, Aaron Eckhart, Michael Caine, Maggie Gyllenhaal
2021 Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 140 minuti

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Christopher Nolan’s Batman Begins (2002) merita il sospiro di sollievo collettivo ricevuto nel resuscitare la reputazione cinematografica del Crociato Incappucciato dopo la discoteca al neon di Joel Schumacher 1997 incubo sul ghiaccio che era Batman & Robin. E se Batman Begins rappresenta la correzione del corso tonale del personaggio, The Dark Knight ha fornito un atto di riabilitazione altrettanto importante: quello di L’arcinemico di Batman, il Joker. (Ammettiamolo, sebbene non sia un crimine di dimensioni schumacheriane, il Joker di Jack Nicholson non è riuscito a stabilire uno standard per il personaggio.) Sebbene apparentemente parte della scuderia dei supereroi, Il Cavaliere Oscuro è, al centro, una vera e propria saga criminale, proprio come era la sua fonte, generata dalle pagine di Detective Comics, less Spider-Man di quanto non sia Heat, in costume piuttosto drammatico. Significativamente scambiato nel dipartimento dei cattivi in ​​questo round, la performance di Heath Ledger nei panni del Clown Prince of Crime è una forza della natura, brillantemente scritta come un boss del crimine che vuole nientemeno che l’anima di Gotham . Il Joker di Ledger è tanto agghiacciante quanto oscuramente divertente, e il più incoraggiante promemoria fino ad oggi del perché è il nemico più famoso del più grande detective del mondo. —Scott Wold


. Cittadino Kane

Anno: 1941
Regista: Orson Welles

Stelle: Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Comingore
Valutazione: PG
Tempo di esecuzione: 120 minuti

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Ovviamente, Citizen Kane non è estraneo a nessun elenco di film come questo, ma non si può negare che parte di ciò che rende questo film apparentemente il “più grande di tutti i tempi” è il modo in cui utilizza il processo del giornalismo per creare uno stile e una struttura di narrazione che sembravano assolutamente unici all’inizio del 1936S. Viviamo gran parte del film attraverso gli occhi di un giornalista (il grande Joseph Cotten) che tenta di capire la vita e la morte del magnate dei giornali Charles Foster Kane (direttore Orson Welles): in un certo senso, è un film come giornalismo investigativo, che consente a Welles di adottare un approccio innovativo, sezionando la vita di Kane in flashback, cinegiornali e interviste da fonti non sempre affidabili. Solo da vedere: il montaggio di un giornale visivamente sbalorditivo, solo un esempio dello spettacolare montaggio del film, che ancora oggi sembra in anticipo sui tempi. —Maura McAndrew


. Giulio e Jim

Anno: 1962

Regista: François Truffaut
Stelle: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Michel Subor
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 107 minuti

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Ampiamente considerato una pietra miliare francese, François Il classico triangolo amoroso di Truffaut dell’era della prima guerra mondiale è basato su un romanzo semi-autobiografico con lo stesso titolo di Henri-Pierre Roche, che Truffaut si è imbattuto in una libreria di Parigi nel 1946S. L’adattamento racconta la tragica storia di Jim (Henri Serre), un boemo francese, Jules (Oskar Werner), il suo amico austriaco, e Catherine (Jeanne Moreau), la fidanzata/moglie di Jules. I due uomini sono innamorati di Catherine, che ha una strana somiglianza con una statua che entrambi amano. Si sposa con Jules. Scoppia la guerra ei due uomini, ai lati opposti del conflitto, lottano con la paura che uno possa involontariamente uccidere l’altro in battaglia. (Quello che effettivamente accade è probabilmente peggio.) Entrambi sopravvivono e, più tardi, Jim fa visita a Jules e Catherine nel loro cottage nella Foresta Nera. Jules confida di essere infelice, che Catherine ha relazioni continue, ha lasciato lui e la loro bambina, Sabine, per mesi e che vive nel terrore di perderla. Catherine cerca di sedurre Jim. I tre tentano una situazione sperimentale in cui Catherine è con entrambi gli uomini, ma la tragedia ne deriva solo da lì. Forse un esempio definitivo della nouvelle vague francese, il film incorpora un vasto lessico di tecniche cinematografiche – filmati di cinegiornale, immagini fisse, salviette, inquadrature panoramiche, fermo immagine, narrazione fuori campo (di Michel Subor) – sebbene sfumature della sua imponente influenza nei successivi film, televisione e musica sono quasi innumerevoli. —Amy Glynn


000. Sig. Smith va a Washington

Anno: 1939
Regista: Frank Capra
Stelle: James Stewart, Jean Arthur, Claude Rains
Tempo di esecuzione: 129 minuti

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)Simile a All The King’s Men (e non solo perché è incredibilmente vecchio), questo film racconta la storia di Jefferson Smith (Jimmy Stewart). È il capo di una truppa di boy scout prima di essere reclutato al Senato da una squadra che crede che farà tutto ciò che gli viene detto, in particolare, consentire la costruzione di una diga che renderà ricca quella squadra. Ma a differenza di All The King’s Men, il personaggio principale non è corrotto dalla politica, ma piuttosto sfida e denuncia la corruzione. Un altro film diretto dall’iconico Frank Capra, responsabile di un sacco di classici del cinema ( È una vita meravigliosa , n. 6 Incontra John Doe), Sig. Smith ha importanti sfumature sentimentali e il desiderio di un mondo fantastico, come il personaggio di Stewart r mostra una forza d’animo e un’integrità che vorremmo avere tutti i politici. È vecchio, ma è ancora incredibilmente buono. —Nathan Spicer


10. Inizio

Anno: 2010
Regista: Christopher Nolan

Stelle: Leonardo DiCaprio, Michael Caine, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Elliot Page, Tom Hardy, Dileep Rao, Cillian Murphy, Tom Berenger
: PG-13
Tempo di esecuzione: 129 minuti

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Nella storia del cinema, non c’è colpo di scena più intrigante del tropo “era tutto un sogno” (eccezioni degne di nota come Il Mago di Oz a parte). Con Inception, il regista Christopher Nolan crea un pezzo drammatico di fantascienza frizzante e ad alto numero di ottani in cui quella presunzione non è solo un espediente della trama, ma la totalità della storia. Il ritmo misurato e sempre costante e la precisione con cui si svolgono la trama e le immagini, e la splendida fotografia in esterni di Wally Pfister, pilastro di Nolan, implica un’attenzione quasi ossessiva ai dettagli. Il film si conclude e si svolge come una bestia meccanica, ogni piccola minuzia in più si unisce per formare un insieme imponente. Il filmmaking di Nolan e il lavoro di esplorazione dei sogni di Inception hanno lo stesso scopo: offrirci una simulazione che gioca con le nostre nozioni di realtà. In questo modo, e come un pezzo di cibo estivo a base di popcorn, Inception riesce in modo ammirevole, lasciando dietro di sé immagini e ricordi che tirano e distorcono le nostre percezioni, sfidandoci a chiederci se ci abbiamo avvolto la testa, o stiamo solo ricordando a metà un sogno ad occhi aperti. Il regista Andrei Tarkovsky ha scritto un libro sulla sua filosofia verso il cinema, intitolandola Sculpting in Time; Nolan, invece, non scolpisce, decostruisce. Usa il cinema per dividere il tempo in modo da poterlo rimettere insieme come vuole. Persona spirituale, i film di Tarkovsky erano un’espressione di trascendenza poetica. Per Nolan, un razionalista, vuole imbrogliare il tempo, imbrogliare la morte. I suoi film spesso evitano di affrontare la morte frontalmente, anche se certamente la descrivono. Ciò che Nolan è in grado di trasmettere in modo più potente è il peso del tempo e quanto effimera e debole la nostra comprensione dell’esistenza. Il tempo scorre costantemente nei film di Nolan; un orologio che ticchetta è un motivo ricorrente per lui, uno che il collaboratore di lunga data Hans Zimmer ha letteralmente letteralizzato nelle colonne sonore di Interstellar e Dunkirk. Nolan si ribella alla realtà temporale, e il cinema è la sua arma, il suo strumento, la scala paradossale o specchio-specchio di Inception. Progetta e progetta strutture cinematografiche che enfatizzano la crisi del tempo fornendo allo stesso tempo un mezzo di fuga. In Inception esistono diversi strati all’interno del mondo onirico, e più si entra in profondità nel subconscio, più si allunga l’esperienza mentale del tempo. Se uno potesse andare abbastanza in profondità, potrebbe vivere un’eternità virtuale nel pozzo senza fondo della propria mente. “Dormire forse per sognare”: il più vicino Nolan che abbia mai avuto modo di toccare un aldilà.—Michael Saba e Chad Betz


2021

14. Godzilla

Anno: 1954
Regista: Ishiro Honda
Stelle:
Sachio Sakai, Takashi Shimura, Momoko Kochi, Akira Takarada

Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 95 minuti

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All’inizio di Godzilla, prima ancora che il mostro venga intravisto al largo dell’isola di Odo, un pescatore locale racconta al giornalista in visita Hagiwara (Sachio Sakai) del spettacolo che stanno guardando, descrivendolo come l’ultima traccia rimasta dell’antico “esorcismo” praticato un tempo dalla sua gente. Hagiwara osserva gli attori “sacrificare” una giovane ragazza alla calamitosa creatura marina per saziare la sua fame e convincerla a lasciare del pesce per il divertimento delle persone, almeno fino al prossimo sacrificio. Il film di mostri di grande successo di Ishiro Hondo – il primo del suo genere in Giappone, il film più costoso mai realizzato nel paese all’epoca, nemmeno un decennio dopo il bombardamento atomico di Hiroshima e Nagasaki – è, dopo 20-qualcosa di sequel in tre volte più anni, sorprendentemente proprio esorcismo elegiaco, un promemoria del trauma continuo di una nazione durante un periodo in cui il resto del mondo si sforzava di dimenticare. Come J Hoberman descrive nel suo saggio per l’uscita del film Criterion, gran parte delle immagini del disastro della Honda sono “codificate nel naturalismo”, un vero e proprio scorcio della straziante distruzione operata dalla bestia ma indistinguibile dalle conseguenze degli attacchi degli americani a 1945, specialmente quando gli Stati Uniti e la Russia, tra le altre potenze, stavano testando bombe H nel Pacifico all’inizio 1950, immergendo i giapponesi in una radiazione ancora maggiore di quella in che erano già stati saturati. Eppure, Godzilla è un film di fantascienza, pieno di uno scienziato “pazzo” con una benda sull’occhio e un essere umano con un costume da dinosauro di gomma che lancia modellini di ponti. Che Honda gestisca tale stupidità con una mano inesorabilmente poetica, purgando il dolore psicologico della sua nazione con raffiche ampiamente intime, è a dir poco sbalorditivo. Le inquadrature di Godzilla che arranca nel fumo denso, i riflettori che mettono in risalto le sue fauci spalancate mentre le armi dell’esercito giapponese non fanno altro che scioccare l’oscurità con un bellissimo chiaroscuro, sono state raramente eguagliate in film del genere (e nella legione di sequel del regista); Honda vide divinità e mostri e, con il mondo che entrava in una nuova era di distruzione tecnologica, non trovò alcuna differenza tra i due. —Dom Sinacola


12. Sport sanguinoso

Anno: 1988
La direttrice: Newt Arnold
Stelle: Jean-Claude Van Damme, Donald Gibb
Voto: R
Tempo di esecuzione: 92 minuti

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Ci sono libri da scrivere e lezioni da tenere sulla sconcertante esistenza di Bloodsport—presumibilmente il film preferito del nostro attuale Presidente, se si dovesse avanzare velocemente attraverso le parti parlanti, diretto da un uomo adulto di nome Newt—ma forse il film è meglio riassunto in uno momento: il famigerato Urlo. Perché in questi 36 secondi o giù di lì, il cuore e l’anima di Bloodsport viene messo a nudo, con poca preoccupazione per il gusto, lo scopo o il rispetto per le leggi fisicamente vincolanti della realtà: in questo momento è una star del cinema in crescita che incanala i suoi migliori attributi (muscoli sbalorditivi; anni di rabbia repressa; la giustapposizione di grazia e violenza che è la sua forma corporea ben oliata e ben rasata) per provare a recitare dal vivo a Hollywood. Sebbene Bloodsport sia il film che ha annunciato Jean-Claude Van Damme e il suo impenetrabile accento al mondo, oltre a servire da crogiolo per (seriamente) ogni singola trama di ogni Van Damme film a venire: è anche un film che ha definito il decennio, posizionando le arti marziali come cinema d’azione di successo. Schwarzenegger e Stallone? Questi erano mook muscolosi che potrebbero essere credibilmente stelle d’azione. Van Damme ha alzato l’asticella: il suo corpo è diventato un’arma migliore e più sanguinolenta di qualsiasi cannone a mano che mormorava prima, ‘ Le estrazioni al botteghino di potrebbero mai reggere. —Dom Sinacola


13. Il salario della paura

Anno: 1953
Regista: Henri-Georges Clouzot
Stelle: Yves Montand, Charles Vanel, Peter Van Eyck
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 149 minuti

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È passata circa un’ora prima che il film di Henri-Georges Clouzot raggiunga la sua vera trama: un intero un’ora prima che i nostri quattro espatriati impoveriti intraprendano l’impresa che sfida la morte di guidare due camion pieni di nitroglicerina attraverso 300 miglia insidiose, dalla città petrolifera sudamericana di Las Piedras al luogo dell’esplosione di un giacimento petrolifero supervisionato da una società americana. Clouzot imposta la sua posta in modo semplice: poiché la nitroglicerina è così volatile e poiché la società non dispone dell’attrezzatura di trasporto adeguata, i volontari devono, con squisita cura, guidare camion pieni di sostanze chimiche attraverso terreni montuosi da utilizzare per attutire il fuoco del petrolio con un’enorme esplosione controllata. Ma quel viaggio inizia solo dopo che Clouzot ha guadato il mondo stagnante dei nostri autisti, presentandoci il tipo di uomini che raramente trattano con la moneta della speranza: il lothario corso Mario (Yves Montand), il cordiale italiano Luigi ( Folco Lulli), lo sfuggente ex gangster Jo (Charles Vanel) e lo stoico figo tedesco Bimba (Peter van Eyck) sono tutti intrappolati in città, sprecando il loro interminabile tempo lì con lavori saltuari, alcolici e donne del posto. Con un controllo allegorico quasi senza sforzo, Clouzot blocca gli uomini alla mercé del capitalismo americano, dando loro la possibilità di continuare a morire lentamente a Las Piedras, o rischiare la vita per abbastanza soldi per uscirne finalmente (che in realtà non è affatto una scelta) . Piuttosto che interpretarli come eroi e futuri martiri, il fatto che Clouzot si crogioli con loro in Las Piedras svela la loro natura malvagia, come il donnaiolo di Mario, il distacco quasi sociopatico di Bimba e la codardia latente di Jo. Anche con una tale spiacevolezza, stringiamo i denti e trattiamo il respiro mentre questi antieroi barcollano sulle fauci della loro stessa inevitabile cancellazione, Clouzot sapendo benissimo di averci preso per la gola. Nella sua incredibile tensione, The Wages of Fear può essere un orologio straziante, ma è girato con una tale mancanza di sentimentalismo che la desolazione del paesaggio creato da Clouzot ci costringe a preoccuparci di chi non lo merita. Proviamo affetto non perché Clouzot ci abbia manipolato, ma semplicemente perché questi uomini distrutti sono alla mercé di un universo indifferente tanto quanto noi, governato dal destino e dal classismo e da qualsiasi altra cosa che non controlleremo mai, che lo sappiamo o no. —Dom Sinacola


14. Il grande dittatore

Anno: 1939
Regista: Charles Chaplin
Stelle: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner
Valutazione: G
Tempo di esecuzione: 126 minuti

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Il primo “talkie” di Charlie Chaplin è stata una satira pungente che ha scritto, diretto, prodotto, segnato e interpretato in entrambi i ruoli principali, un despota fascista che ha una somiglianza piuttosto marcata con Adolf Hitler e un barbiere ebreo perseguitato. La buona satira può essere potente, e questo film è stato: uscito mentre gli Stati Uniti erano ancora formalmente in pace con la Germania, ha suscitato maggiore attenzione pubblica e condanna dei nazisti e di Mussolini, dell’antisemitismo e del fascismo. (Detto questo, Chaplin in seguito raccontò che non avrebbe mai potuto girare il film satirico nemmeno un anno o due dopo, poiché l’entità degli orrori nei campi di concentramento tedeschi divenne più chiara.) La scelta di interpretare sia il tiranno che l’uomo oppresso fu un ispirato, sottolineando la verità spaventosa ma inevitabile che tutti noi conteniamo un po’ di entrambi i personaggi. Questo è un film straordinariamente pertinente per il nostro momento particolare della storia, e vale la pena rispolverare e fare la fila non solo per la sua incredibile abilità, ma anche per la sua risonanza come studio in proiezione. —Amy Glynn


15. La bella e la bestia

Anno: 1946
Regista: Jean Cocteau
Stelle: Jean Marais, Josette Day, Mila Parély
Valutazione: G
Tempo di esecuzione: 92 minuti

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Prima di Jerry Orbach e Angela Lansbury che doppiavano oggetti animati animati per la casa, c’era Jean Cocteau. Questa storia è con noi dal 18esimo secolo e reso in innumerevoli iterazioni, quindi rinuncerò al riassunto della trama e dirò solo: dal preambolo che rompe il quarto muro, in cui il regista supplica il pubblico di avvicinarsi al film con fiducia interiore-bambino-avanti nella magia delle fiabe, fino alla fine, La bella e la bestia rimane un tesoro di immagini sottili, musica affascinante, opulenza barocca, intensità sessuale e totale indulgenza nella fantasia, aiutata di Jean Marais (Beast) e Josette Day (Belle) che offrono spettacoli incantevoli. I temi qui esplorati sono i tradizionali tropi delle fiabe: l’innocenza e l’avidità, il potere trasformativo dell’amore, la paura dell’ignoto, la magia. Cocteau era un celebre poeta oltre che un regista, e questo è un forte esempio di come i due mestieri si informano a vicenda, nel modo in cui sfrutta le immagini per creare connessioni metaforiche. Cinema strano e potente. —Amy Glynn


16. Solyaris

Anno: 1972
La direttrice: Andrei Tarkovsky
Stelle: Donatas Banionis, Natalya Bondarchuk, Jüri Järvet
Valutazione: PG
Tempo di esecuzione: 140 minuti

2021

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In 2002, Steven Soderbergh ha adattato il classico romanzo di fantascienza di Stanislaw Lem in un film perfettamente bello e bello. È l’unica volta che la storia di un film di Tarkovsky è stata duplicata, condividendo il materiale originale, e illustra una verità importante: la visione di Andrei Tarkovsky è singolare, inimitabile; torreggia su tutti gli altri. Laddove un regista affermato come Soderbergh ha realizzato un film di fantascienza utile, Tarkovsky ha realizzato una poesia visiva di prim’ordine. L’istinto artistico di Tarkovsky raramente lo ha deluso, e anche se era un film di genere ad alto budget, Solyaris si prende dei rischi con la stessa sicurezza espressiva e la stessa profondità di risonanza di qualsiasi altro Tarkovsky film. Il concetto di fantascienza dell’entità pianeta titolare offre a Tarkovsky una nuova prospettiva sugli stessi temi meditati in molte delle sue opere: i ruoli fondamentali della storia e della memoria nel nostro presente e futuro; la pesante responsabilità dell’individuo nel rispondere alle chiamate del sublime; la lotta per conoscere la verità. L’estetica di Tarkovsky, di lunga data e libera-associativa, si basava sulla sua filosofia del cinema come “scolpire nel tempo” e in Solyaris c’è un’affascinante confluenza tra il modo in cui il tempo e la percezione è manipolato da Tarkovsky e il modo in cui quelle cose sono manipolate da Solyaris stesso. Solyaris restituisce il protagonista, lo psicologo astronauta Kris Kelvin (Donatas Banionis), la moglie morta Hari (Natalya Bondarchuk), per quale scopo non è chiaro. Ma i film di Tarkovsky funzionano in modo simile; difficile dire esattamente perché fanno quello che fanno, eppure tirano alle radici più profonde di noi stessi. Suscitano realtà emotive e meditative come tutte le altre. Come il risorto Hari di Kelvin, gli stimoli sono simulacri, simboli estratti da un sogno collettivo, ma questo non sminuisce il valore di viverli. A volte ti portano in un posto come Solyaris conduce Kelvin: un’isola di memoria perduta o forse di un futuro impossibile, inondata dalle acque di qualche Spirito. Ciò rende reale l’irreale; che dà vita al sogno. —Ciad Betz


17. Sapore di Ciliegia

Anno: 1997
Regista: Abbas Kiarostami
Stelle: Homayoun Ershadi
Valutazione: PG
Tempo di esecuzione: 107 minuti

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Una poesia dal tono esistenziale di ritmo esasperante e deliberazione, Taste of Cherry prende la strada quasi ogni moda immaginabile. Kiarostami mette in scena un minimo di trama nella sua ambientazione preferita, un veicolo in movimento, il suo protagonista di mezza età che guida per le strade polverose del villaggio di Koker, nel nord dell’Iran. Il signor Badii (Homayoun Ershadi), uno stoico alla guida di una Range Rover, interroga uno sconosciuto dopo l’altro, invitando alcuni nella sua macchina a discutere di un lavoro poco faticoso e ben retribuito. Ha bisogno di aiuto per suicidarsi. Le conversazioni che ne conseguono sono scomode, filosofiche, stratificate, a volte faticose. Quando Kiarostami non accompagna gli spettatori in un viaggio fisico di confronto incrollabile, ci tiene anche a una distanza letterale: dietro i finestrini e da inquadrature ampie e curiosamente piatte, l’isolamento dell’auto contrastava con ampi paesaggi di macchinari industriali. La voce del signor Badii è a volte oscurata dietro un vetro; ci sforziamo per vederlo attraverso tende semitrasparenti o una biglietteria: non abbiamo nemmeno un nome. Ci viene negato il minimo di intimità, determinazione o logica. A sua volta, c’è qualcosa di transitorio e tuttavia immemorabile in Taste of Cherry, un ponte confuso e trascendentale tra estremi ed esperienze, culture e politica, passeggero e autista, spettatore e lo stesso Kiarostami, tra le nostre rispettive incognite. —Amanda Schurr


18. Tempi moderni

Anno: 1936
Regista: Charles Chaplin
Stelle: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman
Voto: G

Tempo di esecuzione: 88 minuti

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Se il tempo è un cerchio piatto, allora Modern Times è come una ruota dentata piatta: i travagli del Little Tramp che naviga in un mondo meccanico è così incessante e ripetitivo che elementi come fortuna e speranza servono solo a spronare la farsa di Chaplin anche se hanno poca presa sul futuro dei suoi personaggi. Non molti cambiamenti per il Piccolo Vagabondo in tutto: cerca di sopravvivere, eppure il sistema istituzionale lo riporta al punto di partenza, disperatamente affamato e senza un soldo, senza altro da fare che riprovare. Questo è stato anche l’ultimo tentativo di Chaplin nei panni del Vagabondo, ed è facile immaginare che, durante le numerose disavventure del film, insieme a un compagno criminale altrettanto bonario, il gamin (Paulette Goddard), mentre viene risucchiato e sublimato nel moderno macchina industriale, questa “scomparsa” era una specie di progettazione. È un modo strano per l’amato personaggio di Chaplin di uscire, ma lo sono anche i molti modi in cui Chaplin mostra come anche la moderna macchina industriale diventi parte del Vagabondo. Potrebbe essere schiacciato attraverso un gigantesco apparato macchiato di pignoni, diventando un tutt’uno con i suoi schemi, ma anche la catena di montaggio, con tutte quelle torsioni, distorsioni e rotazioni, si imprime sul vagabondo, lasciandolo incapace dopo un lungo turno fare altro che agitare le braccia come se fosse ancora sulla catena di montaggio. Non c’è da stupirsi, quindi, che l’impostazione di fabbrica del Presidente di Modern Times‘ abbia una sorprendente somiglianza con Henry Ford: Chaplin, che ha girato il mondo dopo il successo di City Lights, ha testimoniato le condizioni delle linee automobilistiche a Detroit, come la fatica dei nostri tempi moderni ha pesato sui giovani lavoratori. La Grande Depressione, sembra dire Chaplin, è stato il primo segno di quanto completamente la tecnologia possa uccidere i nostri spiriti, non tanto scartandoci quanto assorbendo la nostra individualità. Modern Times, quindi, è un film con una coscienza ben oltre il suo tempo, una sorta di perfetta fusione di effetti speciali, metodi ottimistici del cinema muto e furia radicale.—Dom Sinacola


17 . Ikiru

Anno: 1952
Regista: Akira Kurosawa
Stelle: Takashi Shimura, Yunosuke Ito, Miki Odagiri
Valutazione: NR
Durata: 142 minuti

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Guardando Ikiru, ottieni la sensazione che Leslie Knope lo adorerebbe: il film è tanto una celebrazione della vita quanto di una vita in particolare, ma è anche un’affermazione di ciò che il governo locale può fare se un solo ostinato funzionario pubblico può ungere le ruote della burocrazia . Ikiru è uno dei migliori film di Akira Kurosawa, un film su larga scala costruito per ospitare una storia su piccola scala, che dura poco meno di due ore e mezza mentre descrive il finale giorni del capo sezione Kenji Watanabe (Takashi Shimura), un anziano impiegato del governo che vacilla per una stomia ch diagnosi di cancro. (I medici gli danno meno di un anno di vita.) Nel corso del film, Kurosawa è guidato da due figure molto diverse: un romanziere dissoluto (Yunosuke Ito) e l’allegro Toyo (Miki Odagiri), uno dei subordinati di Kenji —verso scopo e significato. Una vita semplice vissuta al servizio degli altri non è una vita sprecata, ci dice il film mentre lancia colpi e battute all’ipocrisia dei coetanei insensibili e apatici di Kenji. Un messaggio sentimentale, forse, ma sinceramente sentito e ben guadagnato grazie alla statura del mestiere di Kurosawa. —Andy Crump


20. Au Revoir les Enfants

Anno: 1987
La direttrice: Louis Malle
Stelle: Gaspard Manesse, Raphael Fejto, Francine Racette
Voto: PG
Tempo di esecuzione: 105 minuti

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Au revoir les enfants ritrae uno scolaretto francese (molto limitato ) visione dell’Olocausto in modo riservato ma devastante. Ambientato in un collegio cattolico in Francia, il film vincitore del Leone d’Oro di Louis Malle segue un ragazzo ricco viziato (Gaspard Manesse) mentre fa amicizia con un nuovo compagno di classe che è segretamente un ebreo (Raphaël Fejtö) ospitato dal prete benevolo del collegio (Philippe Morier -Genoud). Malle ha basato il film sulla sua infanzia, infondendolo senza sforzo con una tranquilla semplicità che permette ai suoi momenti più tristi e potenzialmente melodrammatici di essere incredibilmente reali. Insieme al direttore della fotografia Renato Berta, Malle lascia semplicemente che la macchina da presa indugi; in una scena, in particolare, filma un passaggio vuoto, sottolineando magnificamente un momento terribile che il suo personaggio principale, e il suo pubblico, non dimenticheranno mai. —Jeremy Mathews


21. La gabbia per uccelli

Anno: 1996
Regista: Mike Nichols
Stelle: Robin Williams, Gene Hackman, Nathan Corsia

Valutazione:
R
Tempo di esecuzione: 119 minuti

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Sai cosa c’è di imbarazzante? Quando sei un ebreo gay di mezza età proprietario di un drag club di South Beach (Armand, interpretato da Robin Williams) e tuo figlio etero si presenta e chiede la tua benedizione per sposare la sua ragazza che è la figlia di un senatore neocon (Gene Hackman) che dirige qualcosa chiamato “The Coalition for Moral Order”. Vuoi sostenere tuo figlio, ma non ti piace essere chiuso da lui, e l’incontro a cena finisce per significare che tu e il tuo partner, Albert (Nathan Lane), siete costretti a un livello completamente nuovo di resistenza in cui tu sono etero, un addetto culturale alla Grecia e sposati con l’avventura sessuale eterosessuale di una notte (Katherine, interpretata da Christine Baranski) che ha portato al concepimento di tuo figlio. Il tuo partner è offeso, il senatore è indagato dai tabloid, la tensione è alle stelle e il tuo cameriere Agador (Hank Azaria) ha accettato di trasformarsi in un maggiordomo greco di nome “Spartacus”, ma ammettiamolo, la tensione è alle stelle da tutte le parti… e questo è prima che la tua piccola mamma rimanga intrappolata nel traffico e Albert vede l’opportunità per il ruolo di trascinatore di una vita. Ne conseguono dirottamenti completamente shakespeariani. Il 1996 remake di Mike Nichols di La Cage Aux Folles di Edouard Molinaro non era un vero e proprio commento sociale, ma sotto il suo aspetto disinvolto da veicolo stellare ci sono alcune profondità che potresti facilmente perdere mentre sei distratto dalle buffonate pazze e pesantemente lustrini di Williams e Lane. In realtà non è solo turbolento e spiritoso ma, come con molti dei ruoli cinematografici di Robin Williams, The Birdcage ha una serie seria in cui è in corso un’indagine genuina sull’identità personale e l’ipocrisia , accettazione, snobismo e, soprattutto, lo stile individuale di “trascinamento” di ognuno (e hey, ne abbiamo tutti uno, anche se non sempre lo esprimiamo mettendo con ciglia finte e cantando Sondheim) viene portato fuori per un esame tanto necessario. —Amy Glynn


22. Kwaidan

Anno: 1964

Regista:
Masaki Kobayashi
Stelle: Rentaro Mikuni, Tatsuya Nakadai, Katsua Nakamura, Osamu Takizawa, Noboru Nakaya
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 150 minuti

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Le storie di fantasmi non diventano molto più belle delle quattro nell’ampio volume di Masaki Kobayashi Kwaidan. Tra due epiche samurai aspramente politiche e ampiamente lodate, Hara-kiri (1959) e Samurai Rebellion (1967), Kobayashi ha guidato quella che all’epoca era la produzione cinematografica più costosa del Giappone di sempre , un film antologico con le sue parti vagamente collegate dalla raccolta di racconti popolari giapponesi di Lafcadio Hearn e dall’intuitiva propensione di Kobayashi per set surreali e lussureggianti. In “The Black Hair”, un ronin egoista e impoverito (Rentaro Mikuni) abbandona la moglie per sposarsi in ricchezza, solo per rendersi conto di aver commesso un terribile errore, precipitandolo in un incubo gotico di decadenza e rimpianto. “La donna della neve” segue un artigiano (il sempre gradito Tatsuya Nakadai) condannato a farsi rubare tutto ciò che ama da un paziente spettro burocratico. Il film a sé stante, “Hoichi the Earless”, mette il monaco musicista cieco titolare (Katsua Nakamura) contro una famiglia di fantasmi, costringendo il bardo a recitare – in passaggi silenziosi e strazianti sul biwa – la storia della loro scomparsa in tempo di guerra . Rapito da immagini indelebili (il più noto, forse, è la pelle di Hoichi completamente ricoperta nella sceneggiatura de Il Sutra del cuore per scongiurare l’influenza dei fantasmi), “Hoichi the Earless” è sia profondamente snervante che tranquillamente tragico, strizzato dalla tristezza di L’ammissione di Kobayashi che solo le forze al di fuori del nostro controllo detengono le chiavi del nostro destino. La quarta, e di gran lunga la più strana, voce, “In una tazza di tè”, è un racconto all’interno di un racconto, volutamente incompiuto perché lo scrittore (Osamu Takizawa) che scrive di un samurai (Noboru Nakaya) che continua a vedere un uomo sconosciuto (Kei Sato) nella sua tazza di tè viene a sua volta attaccato dagli spiriti maligni che sta evocando. Da queste fiabe disparate, piene di foraggio per i falò, Kobayashi crea un mito per il passato ossessionato del suo paese: non siamo altro che le pedine di tutti coloro che verranno prima. —Dom Sinacola


22. Poliziesco

Anno: 1985
La direttrice: Jackie Chan
Stelle:
Jackie Chan , Maggie Cheung, Brigitte Lin
Valutazione: PG-
Tempo di esecuzione: 101 minuti

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Ricorda quella scena in The Blues Brothers dove Jake ed Elwood guidano la Bluesmobile attraverso un centro commerciale e la distruggono bene? Questo è fondamentalmente ciò che Jackie Chan fa a un centro commerciale in Police Story, tranne che con le sue stesse mani. Seriamente, c’è abbastanza vetro in quella scena di combattimento di nove minuti per dieci film di arti marziali. Chan interpreta un poliziotto (di nuovo) che insegue i cattivi (di nuovo). Perché complicare ulteriormente la sinossi della trama? L’unico modo sensato per classificare i film di Jackie Chan è semplicemente concentrarsi sull’azione e sulle acrobazie che sfidano la morte. Chan ha definito Police Story il suo miglior film, e chi siamo noi per discutere? —Jim Vorel


24. Ugetsu

Anno: 1953
Regista: Kenji Mizoguchi
Stelle: Mitsuko Mito, Masayuki Mori, Eitaro Ozawa, Kinuyo Tanaka
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 98 minuti

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Durante un momento incredibilmente prolifico alla fine della sua carriera, Kenji Mizoguchi ha rilasciato Ugetsu tra The Life of Oharu (1942) e Sansho l’Ufficiale giudiziario (1950), solo tre anni prima della sua morte. Come in quei due film, Mizoguchi ambientò Ugetsu nel Giappone feudale, usando la guerra civile del paese come un ambiente attraverso il quale poteva esplorare i modi in cui la gente comune è impedita i loro bisogni più bassi, invece, vengono ridotti in polvere da forze che sfuggono al loro controllo. Così va con due coppie: Genjuro (Masayuki Mori), un vasaio che spera di trarre profitto dalla guerra, e sua moglie Miyagi (Kinuyo Tanaka); Tobei (Eitaro Ozawa) e Ohama (Mitsuko Mito), che giustamente accusa i sogni del marito di essere un samurai ben decorato come sciocchi, soprattutto considerando che Tobei non mostra segni di coraggio fisico, per non parlare di un cervello con un senso di abilità militaristica. Ignorando le gravi preoccupazioni delle loro mogli e l’eclittica marea della guerra, i due uomini hanno deciso di fare un’ultima grande offerta per fama e fortuna, partendo solo per trovare un paese infestato, letteralmente a volte, da vittime. Ugetsu è un film riccamente elementare, incarnato dalle lunghe riprese di Mizoguchi e dalla sua messa in scena distaccata, che ha messo in evidenza l’insensibilità di ciò che stava cercando di catturare. Passando senza soluzione di continuità tra scene eteree – l’iconico appuntamento tra le barche, ambientato in un paesaggio acquatico infernale di foschia e presagio è forse il punto cruciale attorno al quale si svolge il film – e gruppi più cruenti di dolore di massa in corso, Mizoguchi evoca un senso di inevitabilità: non importa quanto questi personaggi imparano sull’amore, sulla famiglia o su se stessi, sono condannati. La miseria si svolge in modo soprannaturale e senza senso in Ugetsu—tanto che quando qualcuno ha notato che la tragedia è stata colpita, è già ben sepolta nelle ossa di coloro che sono alla sua mercé. —Dom Sinacola


25. Cleo dalle 5 alle 7

Anno: 1962

Regista: Agnès Varda
Stelle: Corinne Marchand, Dorothy Blank, Antoine Bourseiller
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione : 88 minuti

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A metà del secondo film di Agnès Varda, la protagonista Cléo (Corinne Marchand), una cantante pop in attesa dei risultati potenzialmente devastanti di una sorta di esame medico, guarda direttamente nella telecamera, piangendo mentre canta una canzone durante una sessione di prove altrimenti tipica . È un momento rivelatore: Varda si rivolge al suo pubblico direttamente attraverso il suo personaggio rivolgendosi direttamente al suo pubblico, il tutto mentre è sull’orlo della totale dissoluzione. Cléo, una celebrità bella e in crescita, sembra capire che potrebbe essere vuota senza il suo aspetto, proprio mentre inveisce contro le forze che la mettono in una posizione così insostenibile. In altre parole, rendendosi conto in quel momento di melodramma, dell’intensa emozione che conosce fin troppo bene è la materia della musica pop nella sua forma più meramente condiscendente, che la sua attrattiva potrebbe presto finire, è portata alle lacrime, incapace di conciliare il suo talento con il suo viso, o la sua fragilità con il suo sostentamento, lasciando al pubblico la decisione se merita o meno la nostra simpatia. Se no, si chiede Varda, perché no? Girato praticamente in tempo reale, Cléo dalle 5 alle 7 aspetta insieme al nostro personaggio mentre aspetta notizie che cambiano la vita, fluttuando dal bar a casa per parcheggiare ovunque, non facendo molto di qualsiasi cosa con la vita che ha, la vita che potrebbe scoprire che sta perdendo abbastanza presto. Guarda un film muto con cameo di Jean-Luc Godard e Anna Karina, incontra un soldato in congedo dal fronte algerino (Antoine Bourseiller) che confessa di credere che le persone muoiano per niente, passa davanti alla scena di un omicidio e sente che l’universo forse ha indirizzato male la sua sfortuna verso un’altra anima. Uno dei film più importanti della filiale della Rive Gauche della New Wave francese (in contrapposizione a quelli della “Rive Gauche”, i più famosi film di Truffaut e Godard, i cinefili più commerciali e cosmopoliti del movimento), Cléo dalle 5 alle 7 è un sogno febbrile dell’ordinario, una meditazione sul nulla della vita quotidiana, tanto esistenziale quanto beatamente priva di scopo. —Dom Sinacola


26. Città di Dio

Anno: 2003
Regista: Fernando Meirelles, Kátia Lun
Stelle: Alexandre Rodrigues, Leandro Firmino da Hora, Phellipe Haagensen, Douglas Silva, Alice Braga, Seu Jorge
Voto: R

Tempo di esecuzione: 117 minuti

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Pubblicato originariamente a gennaio 1997 con lode della critica, la magistrale ma brutale City of God di Fernando Meirelles si è ritirata dalla vista fino a quando Miramax non l’ha ripubblicata per la considerazione dell’Oscar. E mentre quell’anno non è riuscito nemmeno a ottenere una nomination per un film in lingua straniera, la rappresentazione alternativamente intensa e intima delle disperate favelas di Rio è cresciuta solo in statura e potere. Basato sul romanzo di Paulo Lins (e adattato da Bráulio Mantovani), Meirelles ha rivolto uno sguardo fermo su un mondo dimenticato dai ricchi e dai potenti, ignorato dalla polizia e indifferente alla legge e all’ordine. City of God ha stabilito il modello per altri film urbani scioccanti da seguire (per non parlare di un revival di “favela funk” da parte di predoni musicali come Diplo e MIA), ma mentre altri studi cinematografici come Gomorra (sulla Sicilia moderna) e il documentario Ballando con il diavolo sguazzano in una tale malvagità, questo film si tuffa più in profondità, si stringe più forte, eppure lascia sempre intravedere bagliori di umanità in tale oscurità. La rappresentazione straziante della violenza quotidiana nelle favelas da parte di City of God esemplifica con dettagli scioccanti la visione hobbesiana della vita come “cattiva, brutale e breve”, ma il film non esprime mai giudizi . Mentre il caos e lo spargimento di sangue dominano il mondo del protagonista Rocket e di quelli della sua generazione: il signore della droga psicotico Li’l Zé, il simpatico playboy Benny e il solenne Knockout Ned (il cantante Seu Jorge, nel suo ruolo da protagonista)—City of God chiarisce una simmetria di fondo, esibendo se non una giustizia poetica, quindi la versione street della stessa. —Andy Beta


25. Nelle alture

Anno: 2021
Regista: Jon M. Chu
Stelle: Anthony Ramos, Corey Hawkins, Leslie Grace, Melissa Barrera, Olga Merediz, Daphne Rubin- Vega, Gregory Diaz IV, Jimmy Smits
Valutazione: PG-
Tempo di esecuzione: 143 minuti

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In 2018, il regista Jon M. Chu ha impregnato la trama standard della sua commedia romantica Crazy Rich Asians adattamento con la classica decadenza hollywoodiana, tutto appeso a una struttura di specificità culturale ben costruita. Era un romanzo grande, spettacolare e imbarazzante per un film americano nel suo genere. Ora, in 2021, stiamo ricevendo la versione di Chu di In the Heights, il musical che ha messo Lin -Manuel Miranda sulla mappa (e gli ha fatto vincere il suo primo Tony). È incredibile. L’eccitante elettricità di un cast di blockbuster non bianco che diventa superstar davanti ai tuoi occhi, lo stile massimalista di un successo moderno che aggiorna le sue influenze, l’intreccio di temi iper-specifici e ampi: i punti di forza di Chu e il suo cast salgono, portando In the Heights più in alto che mai. È il miglior musical di Hollywood degli ultimi anni. Seguendo alcuni giorni afosi a Washington Heights a New York, il film mescola la calda tensione estiva di Do the Right Thing con School Daze l’affetto stuzzicante per il suo genere di imbracatura di canzoni. Succede solo che l’angolo in cui siamo è il punto di collisione per le vite e le storie d’amore che si intersecano di due coppie: il boss della bodega Usnavi (Anthony Ramos) e l’aspirante designer Vanessa (Melissa Barrera) e il dispatcher Benny (Corey Hawkins) e il recente Nina (Leslie Grace), abbandonata a Stanford, che è l’esempio più esplicito del quartiere di coloro che la lotteria truccata della vita ha lasciato mettendo la loro pazienza e fiducia in un grattacapo quotidiano. Non c’è una vera lotta cruciale (soprattutto non tra Sharks e Jets, anche se non sarebbe incredibile se il West Side Story di Steven Spielberg desse 2018 due grandi musical di New York?) a parte le sempre presenti e miriadi di ansie degli americani di ennesima generazione che vivono in un paese razzista. Sì, chi ha familiarità con i temi di Hamilton di Miranda troverà qui un ritmo e un sapore tematico simili, anche se con lo stile delle melodie che scivolano in una salsa o in un bolero con la stessa facilità del rap le barre entrano ed escono dallo spagnolo, ma con una purezza di forma e significato, le critiche e le osservazioni liriche sono persino più acute di quelle impantanate nella metafora storica del fenomeno. In effetti, quasi tutte le canzoni sono colpi di scena che tengono alte le emozioni – piangerai, farai il tifo, canticchierai le canzoni mentre esci dal teatro – sostenute da un’orchestrazione che, sebbene trattenuta quando limitata a suoi amanti, esplode quando i cori finalmente incorporano il quartiere in generale. Bop sbalorditivi e melodie commoventi si abbinano al montaggio ritmico e uno sfondo vibrante e adeguatamente popoloso che è una coreografia costante sostiene il flusso perpetuo e organico di una comunità. In the Heights è grandioso, e la sua grandezza è amplificata dalla gioia che ispirerà nei teatri pieni di gente negli anni a venire.—Jacob Oller

2021

27. Nord per nordovest

Anno: 1959
Regista: Alfred Hitchcock
Stelle: Cary Grant, Eva Marie Saint
Classificazione:
NR
Durata: 117 minuti

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Quando un uomo pubblicitario mite (Cary Grant, in alcuni thread seriamente cattivi) viene scambiato per un segreto agente e si ritrova nel mirino di una spia pericolosa, la suspense è scontata. Aggiungi un intreccio romantico con l’epica splendida Eva Marie Saint, che potrebbe o non potrebbe essere in combutta con le spie, e avrai Hitchcock al meglio della sua ironia, trasformando un sogno surrealista di una trama in qualcosa di leggero -mano e liscio. North by Northwest potrebbe anche essere la sua scena più divertente e senza dubbio la più sbalorditiva dal punto di vista visivo, con alcune delle scene più iconiche della storia del cinema (in particolare, ma non solo, l’incredibile sequenza di riprese in cima al Monte Rushmore). Saint è simpatico e intrigante, e se Grant ha mai avuto un giorno nella sua vita in cui non è stato incredibilmente affascinante, non è stato catturato nel film. Anche questo è sicuramente un thriller, ma è anche spiritoso da morire (forse anche un po’ soddisfatto di sé, ma questo spettatore non si lamenta, se qualcuno se lo è guadagnato, Alfred Hitchcock). Abile, intelligente, affascinante, se per qualche motivo non sai già perché Hitchcock è un dio del cinema duraturo, questo film dovrebbe chiarirti la situazione. —Amy Glynn


27. L’aviatore

Anno: 2004
Regista: Martin Scorsese
Stelle: Leonardo DiCaprio, Cate Blanchett, Kate Beckinsale, John C. Reilly, Alec Baldwin, Alan Alda, Ian Holm, Jude Law
Valutazione: PG-13

Tempo di esecuzione: 144 minuti

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Con la personalità più grande della vita di Howard Hughes e quelle scene piene di azione in cui vola (e si schianta) aerei, è difficile non pensare prima al famoso uomo d’affari e aviatore come una sorta di supereroe: un uomo capace di quasi ogni impresa, di resistere a qualsiasi tipo di lotta. Ma un film che cattura solo quel lato della vita di Hughes sarebbe incompleto. Uno vuoto. Ciò che rende The Aviator uno dei più grandi film biografici di tutti i tempi è che mostra anche le vulnerabilità di Hughes, in particolare la sua battaglia con il disturbo ossessivo-compulsivo. Il ritratto di Leonardo DiCaprio di Hughes al suo punto più basso, durante le spirali piene di ansia di Hughes, è molto più avvincente e pieno di suspense della stessa scena dell’incidente aereo di Beverly Hills.—Anita George


33. Pater Panchali

Anno: 1955

Regista: Satyajit Ray
Stelle:
Runki Banerji, Kanu Banerji, Subir Banerji
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 126 minuti

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Satyajit Ray’s Pather Panchali è, a seconda di chi lo chiedi, o il film più triste mai realizzato o uno dei più tristi, anche se forse il fatto che il film ti faccia piangere di più o di meno è fuori luogo. L’influenza di Pather Panchali può essere meglio evidenziata su scala micro, in relazione specifica al cinema indiano, presentando un momento spartiacque che ha innescato il movimento del Cinema Parallelo e ha alterato la trama del cinema film del paese per sempre. Il che non è una prova dell’effettiva sostanza di Pather Panchali, anche se siamo realistici qui: il capolavoro di Ray è un film doloroso e vitale creato per trasmutare i rigori più duri di un’infanzia vissuta nell’India rurale nella narrativa. Forse è presuntuoso per un critico americano senza un quadro di riferimento per il contesto culturale di Pather Panchali descrivere il film come “fedele alla vita”, ma Ray è così bravo a catturare un mondo piccolo, specifico con la sua macchina fotografica che veniamo a conoscere, a capire, la vita del giovane Apu, indipendentemente da chi siamo o da dove veniamo. Non è solo la definizione assoluta del potere di trasporto del cinema? —Andy Crump


31. Gomma

Anno: 1977
La direttrice: David Lynch

Stelle: Jack Nance, Charlotte Stewart, Allan Joseph
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 90 minuti

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Può essere un’esperienza dolorosa guardare un film e non avere idea di cosa si tratti: avere il significato del film che ti assilla nel profondo, sempre fuori portata. Eppure, questo è esattamente il carburante fuso e sotterraneo che spinge in avanti le visioni di David Lynch, e con il suo debutto, lo sconcertante e terrificante Eraserhead, il regista non offre alcuna consolazione per la sensazione invadente che con lui non troveremo mai alcun tipo di ormeggio logico per tenere al sicuro la nostra psiche. Una semplice storia su un lavoratore dai capelli buffi (Jack Nance) che si trascina nervosamente attraverso un fantasmagorico paesaggio industriale, mentre genera un bambino mutante dall’aspetto di una tartaruga che ha lasciato crescere dopo che la sua nuova moglie ha abbandonato la sua “famiglia” Eraserhead è uno stupefacente atto di seppellire la sperimentazione cinematografica indipendente nella coscienza popolare. Potresti non sapere molto su Eraserhead, ma probabilmente sai cosa è. E che si tratti o meno di una meditazione sugli orrori della paternità, o di uno scorcio della strana devoluzione dell’intimità fisica in un ecosistema morente, o di un lavoro rivoluzionario di sound design fai-da-te, o altro—Eraserhead è un buco nero di influenza. È disgustoso, commuove l’anima, è un incubo viscerale e fino ad oggi è diverso da qualsiasi cosa io abbia mai visto prima. Che può essere o meno un complimento. Non posso esserne sicuro. —Dom Sinacola


32. The Evil Dead

Anno: 1983
La direttrice: Sam Raimi
Stelle:
Bruce Campbell
Valutazione: NC-17
Tempo di esecuzione: 85 minuti

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Infamemente messo insieme da $350, e un’eccezionale quantità di buona volontà, The Evil Dead, a ripensarci, sembra aver creato una sorta di orrore a se stesso. Il debutto di Sam Raimi, ovviamente, è degno di nota per molto di più: come il modo in cui è stato montato da Joel Coen; o come il rabbioso interesse di Stephen King abbia attirato l’attenzione di uno studio importante, dando a Raimi e al suo intimo amico Bruce Campbell la possibilità di riversare tutto ciò che sapevano su slasher, slapstick, camp, pulp e fantasy in Evil Dead II, una specie di ibrido sequel/reboot. Ma il vero calibro del tenore di The Evil Dead è forse meglio esemplificato dal fatto che il suo 2013 il remake è stato una festa disgustosa per i segugi di sangue. Per chi ha familiarità con Evil Dead II e l’ancor più sciocco Army of Darkness, il fatto che il film originale fosse più un semplice affare di genere sembra in qualche modo fuori luogo; ecco la dissonanza cognitiva in pieno effetto. Eppure, in qualche modo, questa storia rudimentale di cinque studenti dello Stato del Michigan che involontariamente scatenano antichi demoni in una capanna nel bosco è ancora sorprendentemente, spietatamente strisciante. Lascia che sia Sam Raimi a allungare un dollaro fino a quando il suono dello schiocco ha lo stesso effetto sul nostro stomaco di un classico urto nella notte. —Dom Sinacola


32. Il falco maltese

Anno: 1941
Regista: John Huston

Stelle: Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre, Sydney Greenstreet
Valutazione: PG

Tempo di esecuzione: 101 minuti

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Definito da molti il ​​primo noir maggiore (dopo il più oscuro 1933 film Straniero al terzo piano), questo classico di John Huston ha fissato il livello per l’archetipo del detective, il sottogenere nel suo insieme e il resto della carriera della star Humphrey Bogart. In superficie un mistero di omicidio che ruota attorno all’ennesimo archetipo, quello del titolare MacGuffin, Il falco maltese è in sostanza uno studio del personaggio, una certezza definitiva della mascolinità e della fredda obiettività implica, per mezzo di un Sam Spade. L’antieroe di Bogart è un uomo d’onore, come gli si addice: non ha remore a baciare la vedova del suo defunto compagno mentre il corpo è ancora caldo, o a denunciare la colpevole che ama alla polizia. Non è uno “sfigato” di nessuno. È interessante notare che il creatore di Spade, Dashiell Hammett, che una volta ha lavorato come investigatore privato, ha definito il personaggio “l’uomo dei sogni, nel senso che è ciò che la maggior parte degli investigatori privati ​​con cui ho lavorato avrebbe voluto essere e, nei loro momenti più arroganti, pensavano che si fossero avvicinati. Nelle mani brusche ma lisce di Bogart, sembra giusto. Allo stesso modo, questo è l’adattamento a cui tenta di gran lunga inferiori, incluso un 1928 versione con lo stesso nome e 1933 ‘s Satan Met a Lady, poteva solo aspirare. È impeccabile in tutti i sensi. Huston ha anche scritto la sceneggiatura, su consiglio di Howard Hawks, quasi alla lettera dal romanzo hard-boiled di Hammett. Ha meticolosamente creato lo storyboard del dramma per includere riprese complesse e schemi di illuminazione, punti di vista evocativi e una ripresa ininterrotta di sette minuti la cui logistica sconvolge la mente. I calci piazzati violenti e stilizzati sono viscerali quanto gli scontri verbali. A parte la mitica svolta di Bogie, le altre performance sono azzeccate: tra queste, una già scandalizzata Mary Astor nei panni della femme fatale; Sydney Greenstreet (Casablanca) nel ruolo del gigantesco cattivo Kasper “Fat Man” Gutman—sorprendentemente, il suo debutto cinematografico; e Peter Lorre nei panni di un ovviamente gay associato di Gutman la cui omosessualità era stata smorzata per la gente dell’Hays Code. Uno dei primi titoli ad essere conservato nel National Film Registry della Library of Congress, The Maltese Falcon è una pietra miliare del cinema. —Amanda Schurr


37. Tina

Anno: 2021
Regista: Dan Lindsay, TJ Martin
Tempo di esecuzione: 125 minuti

2021

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La storia di Tina Turner è una storia di promesse: promesse mantenute e infrante, promesse soffocate e poi mantenute. Un voto di lealtà al suo ex marito violento Ike ha soppresso il suo stesso potenziale. Potrebbe non essere una storia di ritorno, ma è sicuramente una storia di fuga, crescita e autorealizzazione di fronte alle avversità personali e industriali. Lo status della cantante nella storia della musica è ineccepibile, ma coloro che raccontano la sua storia tendono a spostarsi verso i suoi racconti scandalistici più scandalosi. I registi di Tina Dan Lindsay e TJ Martin tentano di sovvertire questa eredità di titoli salaci esaminandola dall’interno. Il documentario non sfugge completamente alla sensazione di sfruttamento del circuito dei talk show che critica, ma mettendolo in contesto con nuove interviste e materiale d’archivio di Turner spiega cosa ha a che fare, cosa c’entra con esso. Spettacoli di libertà impennata, in cui Turner si pavoneggia e si agita sul palco come il dio del rock che è veramente, converte nuovi discepoli ad ogni calcio e ululato con le gambe lunghe. Martin, Lindsay e gli editori Taryn Gould e Carter Gunn incrociano esibizioni dal vivo su brani con un’energia che non è casuale o irregolare, ma con la stessa brillante sicurezza del loro soggetto. La sua voce può essere una forza grezza della natura, ma le sue esibizioni sono tutte abilità e professionalità. Insieme, combinati attraverso fasi ed epoche per trovare i movimenti più grandi e migliori per enfatizzare le canzoni, il suo magnetismo è inevitabile. Proprio quando ci siamo comodamente sistemati nei ritmi di una dottoressa da concerto, ipnotizzati dal suo carisma e dalle sue capacità, botto, siamo tornati al suo passato. Le ci è voluta tutta la prima metà del film per andarsene e ora ciò che le è rimasto viene trascinato fuori per lei. È un’imitazione tagliente della carriera di Tina. Anche diventando la più grande pop star del mondo, le persone si sono concentrate sulle cicatrici. Nonostante il dolore, Tina è un’epopea di benessere, una fuga dalle forze sistemiche interne ed esterne che hanno cospirato per corrompere e consumare uno degli individui più influenti di una generazione. La sua associazione e il bisogno intrinseco di potere attraverso un legame permanente con l’ex partner violento di Tina a volte può sembrare un po’ ipocrita, anche sapendo che così facendo, Tina offre più libertà che dolore . Ha, in un certo senso, lo stesso scopo di Che cosa c’entra l’amore con esso . È educativo, porta all’equanimità. Dove cosa c’entra l’amore con esso è stato il raggiungimento della maggiore età di mezza età—un “Ciao, ecco la mia storia”—Tina è un addio che ridefinisce e dà potere che aggiunge prospettiva mentre alza il cappello e la fa uscire per sempre felici e contenti dalle luci della ribalta.—Jacob Oller


2021
38. La storia di Filadelfia

Anno: 1939
Regista: George Cukor
Stelle: Katharine Hepburn, Cary Grant, Jam es Stewart, Ruth Hussey, John Howard
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 112 minuti

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Riesci a credere che ci sia stato un tempo in cui Katharine Hepburn era conosciuta a Hollywood come “veleno al botteghino”? Questo adattamento di un successo di Broadway è stato un veicolo per rimettere in sesto la sua carriera dopo una serie di flop. La sua interpretazione della gelida ereditiera Tracy Lord in questa commedia sul “nuovo matrimonio” è una forza della natura. Fortunatamente, il suo ex non più ubriaco è interpretato da Cary Grant, che è un favoloso contraltare. Jimmy Stewart e Ruth Hussey completano il cast come reporter sotto mentite spoglie. Praticamente tutto di questo film è una pura delizia e la sceneggiatura è un capolavoro. —Amy Glynn


36. Principessa Mononoke

Anno: 1997
Regista: Hayao Miyazaki
Stelle: Yôji Matsuda, Yuriko Ishida
Valutazione: PG-13
Tempo di esecuzione: 134 minuti

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Un tema persistente in tutto il lavoro dello Studio Ghibli, in particolare quello di Miyazaki, è che raramente ci sono dei veri cattivi. Questo sentimento è forse più evidente in La principessa Mononoke, il settimo film di Miyazaki e in particolare uno dei suoi più oscuri. Ambientato durante i primi 11° secolo, il film segue le vicende di Ashitaka (Yôji Matsuda), l’ultimo principe rimasto di un piccolo villaggio dell’est che viene ferito mentre difende la sua casa da un cinghiale preso da uno spirito malizioso. Maledetto a morte senza speranza di cura, Ashitaka decide di viaggiare in Occidente per scoprire (e fermare) qualunque forza malefica stia causando questo caos. Quello che trova lì è più complicato di quanto avrebbe potuto immaginare: un insediamento di umani che minano la regione per costruire una casa mentre respingono le forze della foresta vicina che vedono il loro mondo distrutto. Più tardi incontra San (Yuriko Ishida), una giovane donna cresciuta dal clan di lupi che difende la foresta mentre tenta di mediare una difficile pace tra le due parti. Di conseguenza, la Princess Mononoke è l’epitome dell’appello di Miyazaki all’ambientalismo, fondendo fantasia tradizionale e folklore giapponese per creare una delle opere più serie e per adulti del regista. La violenza del film è una netta divergenza dal corpo di lavoro relativamente spietato di Miyazaki, con gli arti mozzati con insensibile abbandono e divinità dei cinghiali che piangono sangue mentre avanzano arrancando in una marcia mortale attraverso la foresta. È un film esilarante, straziante e colossale il cui messaggio lascerà il pubblico cambiato dalla scena finale. Molto semplicemente, è tutto ciò che ci si aspetterebbe dal pedigree di Hayao Miyazaki. —Toussaint Egan


37. Pianeta fantastico

Anno: 1973
La direttrice: René Laloux
Stelle: Jennifer Drake, Eric Baugin, Jean Topart
Valutazione: PG

Tempo di esecuzione: 71 minuti

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Non Non importa se stai guardando l’eccellente, eccentrico Fantastic Planet di René Laloux per la prima o la quarantesima volta, sotto l’influenza o sobrio: il film è un tale- stranezza unica nel cinema che ogni visione sembra un’esperienza del tutto unica. In parole povere, non c’è niente di simile. Se non hai ancora visto questo capolavoro di 1970s psichedelia-incontra-commento-sociale, ti stai perdendo. Se l’hai visto, è probabile che tu non abbia visto niente di simile da allora, perché non c’è molto nel cinema d’animazione per eguagliarlo. Il più vicino che otterrai sono gli stili di animazione delle strisce di carta di Terry Gilliam in Il circo volante dei Monty Python , o forse l’approccio alla pittura di Eiji Yamamoto Belladonna della tristezza di Eiji Yamamoto . Nessuno di questi è paragonabile allo schema visivo di Fantastic Planet, che ne sottolinea solo l’individualità. Da dove viene un film come Fantastic Planet? Come viene fatto? Laloux ha offerto poche risposte nel corso degli anni, anche se il documentario Laloux Sauvage contiene alcune informazioni su come funziona la sua mente. Forse non vale la pena cercare le risposte in primo luogo, e forse il modo migliore per capire Fantastic Planet è solo guardarlo, e poi guardarlo di nuovo. —Andy Crump


37. Mad Max: Fury Road

Anno: 2015
Regista:
George Miller
Protagonisti: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Rosie Huntington-Whiteley , Riley Keough
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 125 minuti

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Tre decenni dall’ultima volta che abbiamo visitato il mondo arido e distopico di George Miller, l’ultima puntata vede Tom Hardy nei panni di Max Rockatansky con Charlize Theron come co-protagonista— un colpo di stato. Ma la lunga attesa ha fatto oscillare Miller verso le recinzioni. Prova a nominare un blockbuster moderno che ha la stessa faccia tosta Mad Max: Fury Road. Non puoi, perché non ce n’è uno. Questo è ciò che accade quando disponi tutte le tue pazzie sullo schermo in una volta: intrattenimento glorioso e scoppiettante. Ogni singolo dollaro dei suoi $ segnalati 150 milioni di budget sono sempre nella cornice, ma Miller è così senza pretese che tu non prenderà il cartellino del prezzo. Persone vere navigano in veicoli reali attraverso vere distese di deserto. Quando il film si appoggia ai computer, è per riempire i margini o evocare l’occasionale tempesta di polvere. Miller definisce la sua estetica attraverso la struttura fisica, racconta la storia attraverso l’azione e non mostra alcun interesse per la routine dello spettacolo contemporaneo di Hollywood. Inoltre, Mad Max: Fury Road è uno sforzo inclusivo che ci invita a unirci ai suoi eroi per abbattere le dicotomie di genere. George Miller ha realizzato un film d’azione fenomenale con una giusta causa, un film che sovrappone commenti intelligenti su scene sbalorditive. Possa cavalcare eterno, lucido e cromato.—Andy Crump


40. Venditore

Anno: 1969
Registi: Albert Maysles, David Maysles, Charlotte Zwerin
Valutazione: NR
Durata: 80 minuti

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The Maysles’ L’ode all’atteggiamento positivo della cosiddetta “Greatest Generation” è uno studio sempre triste sul carisma: chi ce l’ha, cos’è e quanto sia profondamente, involontariamente radicato, nel nostro intero modello del sogno americano. Seguendo quattro venditori di Bibbia, ciascuno con un soprannome animalesco per tenerli facilmente separati, siamo in grado di osservare il processo del tono da apparentemente ogni angolo persuasivo. Alcuni venditori sono saggi e rispettosi, altri entusiasti e scherzano, e altri ancora ricorrono a prepotenti mamme casalinghe nervose o mariti evirati per firmare una busta paga. Accoppia quell’enigma etico con il prodotto che stanno impegnando – l’originale “Buon libro”, a quanto pare – e non sorprende quando uno dei venditori (Badger, che ha avuto una serie di sfortuna, non essendo mai all’altezza del suo nome) perde tutto spera nella sua vocazione e trascorre ogni notte nella sua stanza d’albergo condivisa lamentandosi con i suoi colleghi venditori che quello che stanno facendo è esistenzialmente destinato a fallire. Eppure, Rabbit non ha problemi a mantenere alte le sue vendite, e il Toro esce sempre con pedine scarabocchiate. Badger sembra essere una razza in via di estinzione di venditori, un ragazzo il cui carisma si rifiuta di adattarsi. Quel che è peggio: non ha nessuno da incolpare tranne se stesso. E il capitalismo. —Dom Sinacola


40. Si alza il vento

Anno: 2013
Regista:
Hayao Miyazaki
Stelle: Hideaki Anno, Naoko Satomi, Hidetoshi Nishijima
Valutazione: PG-14
Tempo di esecuzione: 120 minuti

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Di tutti i tropi e motivi più persistenti di Miyazaki, nessuno è più coerentemente infilato in tutto il suo corpo di lavoro di quello della rappresentazione del volo. Quindi non sorprende che The Wind Rises, il suo 11° e ultimo lungometraggio al momento della stesura di questo articolo, si concentrerebbe esattamente sulla vita dell’ingegnere aeronautico giapponese Jiro Horikoshi e del complicata eredità delle sue creazioni. Una storia di come un creatore non può controllare ciò che diventa il proprio lavoro, solo la dedizione e l’artigianato a cui riversano nell’opera stessa, The Wind Rises non riguarda solo la cultura pacifista identità del Giappone contemporaneo ma anche, a livello personale, dello stesso Miyazaki. Il film non è altro che l’ultima testimonianza artistica di Miyazaki della capacità paradossale dell’umanità sia per l’atto redentore della creazione che per la tenace ricerca dell’auto-annientamento. È senza mezzi termini una conclusione, se non alla venerabile carriera di Miyazaki come uno dei patriarchi indiscussi dell’animazione giapponese moderna, quindi una coda tematica che lega un nodo elegante alla fine della sua leggendaria carriera di regista. —Toussaint Egan


41. Persona

Anno: 1966
Regista: Ingmar Bergman
Stelle: Liv Ullmann, Bibi Andersson
Voto: NR
Tempo di esecuzione: 47 minuti

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Ingmar Bergman di Non sembra avere alcuna risposta alle domande che ha sollevato in questo film – oa quelle sollevate in molti altri – ma ha continuato a porsele, portando le sue storie a conclusioni adeguatamente drammatiche senza cauterizzare tutte le ferite dei suoi personaggi. Era un regista fluido e preciso, ma che lavorava all’interno delle convenzioni della grammatica piuttosto che insistere ai margini del mezzo, il più delle volte. Persona non solo riconosce questo mezzo ma lo squarcia completamente. Liv Ullmann e Bibi Andersson, che hanno entrambi lavorato molte volte con Bergman, interpretano rispettivamente un’attrice teatrale e un’infermiera. L’attrice ha avuto un esaurimento nervoso, è diventata muta nel mezzo di una performance, e si sta riprendendo in un cottage sul mare. Questa semplice trama è lo scheletro per un esame molto complesso dell’identità e della psicologia. Le due donne sembrano fondersi a un certo punto – forse sono due lati della stessa donna – e le loro storie sanguinano nel presente attraverso una varietà di tecniche cinematografiche, dalla prima inquadratura di un proiettore che si accende al famigerato, abbagliante montaggio che sembra portare alla luce l’inconscio, fino al momento nel mezzo del film, quando il calcio sembra bruciare e girare al contrario. Persona non ne svela facilmente il significato; Bergman ha sempre bilanciato il mondo del teatro con il mondo del cinema, un artista con una doppia personalità. —Robert Davis


42. Mikey e Nicky

Anno: 1976
La direttrice: Elaine May
Stelle: Peter Falk, John Cassavetes, Ned Beatty, William Hickey
Valutazione: R

Tempo di esecuzione: 95 minuti

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Tutti hanno un amico come Nicky (John Cassavetes), anche se i Nicky del mondo esistono su scala mobile. Non tutti i Nicky lavorano per la mafia, o fanno le donne, o la tradiscono, o generalmente si comportano come uno stronzo di grande diametro a qualsiasi provocazione o sotto qualsiasi sforzo. Ma spoglia Mikey e Nicky dei suoi particolari di genere, delle sue trappole da gangster, e ciò che resta è una storia riconoscibile di due amici ai ferri corti, uniti dalla storia delle loro vite, inseparabili, e tuttavia chimicamente instabile quando si sta in piedi a portata di mano l’uno dall’altro. Mikey (Peter Falk) e Nicky tornano indietro nel tempo. Sono amici da sempre, da prima che diventassero piccoli criminali, da prima che i loro genitori rimescolassero le loro spire mortali. Mikey è quello equanime, Nicky la testa calda, anche se Mikey è l’unico calmo e composto quando si trova accanto a Nicky. “Me lo dai in 27 secondi o ti ammazzo, hai capito me?” ruggisce al bancone di una tavola calda, alla disperata ricerca di una tazza di panna per lenire lo stomaco malato di Nicky. Nessuno dei due è particolarmente buono per le donne, ed entrambi sono in acqua bollente, anche se Mikey è solo fino alla punta dei piedi e Nicky fino alla vita, dopo aver strappato il suo capo e essersi guadagnato un colpo in fronte. La mossa più onesta che Mikey può fare è lasciare Nicky alla mercé della mafia, ma non è un uomo onesto e onestamente, le relazioni maschili non sono poi così oneste. Elaine May comprende quanto velocemente gli uomini oscillino tra emozione e violenza, rancore e gioco. Un minuto Mikey è preoccupato per Nicky che si prende un raffreddore. Il prossimo, stanno demolendo per strada, come se la loro amicizia non avesse mai avuto importanza in primo luogo. Incredibile con quanta facilità gli uomini possano trasgredire da adulti a ragazzi, sia che si scambino colpi o semplicemente si stiano correndo allegramente l’un l’altro lungo il marciapiede. Anche quando sono cresciuti, sono ancora bambini nel cuore. Al di sopra di 39 anni dopo, Mikey e Nicky sono invecchiati meglio di entrambi loro. —Andy Crump


42. Casa

Anno: 1977
La direttrice: Nobuhiko Obayashi
Stelle: Kimiko Ikegami, Miki Jinbo, Kumiko Ohba
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 88 minuti

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I film sono raramente, se non mai, così ricchi e strano come House. Il 1977 favola-come-sogno-di-febbre del regista giapponese Nobuhiko Obayashi è stato il debutto di un ragazzo noto soprattutto per i suoi spot televisivi. Data la possibilità di realizzare il suo primo lungometraggio da uno studio in difficoltà che non aveva nulla da perdere, Obayashi ha fatto quello che farebbe qualsiasi aspirante autore: è andato nel suo 11-figlia Chigumi di un anno per idee. Quello che hanno inventato è un festival tragicomico del perturbante su un gruppo di sette studentesse giapponesi, una zia nubile con un segreto straziante, il suo gatto bianco stravagante di nome Snowflake e la casa del titolo, un’allucinazione spaventosa del mito gotico e del folklore giapponese, ravvivato da uno spirito animato e afflitto da ADD come qualcosa delle menti di Tex Avery e Busby Berkeley sul crack. Tuttavia: nessun riassunto rende davvero House giustizia, e ogni piccola cosa al riguardo richiede attenzione, dalle stesse studentesse, archetipi precoci che vanno sotto i soprannomi Gorgeous, Melody, Fantasy, Prof , Sweet, Mac e Kung Fu, fino agli svolazzi di qualsiasi espediente e tecnica, che evocano di tutto, dal cinema muto agli spettacoli per bambini, dal cinema surrealista classico al giallo italiano. Obayashi riempie ogni fotogramma con un surplus di idee folli, come se il suo passato fosse 29 -secondi spot chiedevano di non lasciare mai che lo schermo rimanesse calmo per un istante. House suggerisce che l’iperguida al protossido di azoto della cultura pop giapponese, vivida ora come non mai, è un tipo di terapia brillantemente immaginato, se non addirittura trascendentale. —Steve Dollar


44. King Kong

Anno: 1933
Amministratori: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
Stelle: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 95 minuti

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C’erano stati film di mostri o “caratteristiche di creature” prima Kong , ma è diventato il punto di riferimento chiave per l’intero film demografico dal momento della sua uscita fino a quando il genere ha subito una rivisitazione dell’era atomica con artisti del calibro di La bestia di 20,10 Fathoms in 1950 e Loro! in 1946. Allo stesso modo, ha impostato il livello dei suoi effetti speciali a un livello così alto che in molti casi, le riprese e le sequenze di King Kong non sono state adeguatamente duplicate per i decenni a venire. Gran parte del merito va al pionieristico animatore stop-motion Willis O’Brien, che ha inventato nuove tecniche sul set di Kong ogni giorno, gettando le basi per un intero campo degli effetti visivi che ancora oggi vengono perfezionati da studi come Laika. Quelle tecniche furono allo stesso modo portate avanti e ulteriormente perfezionate dal protetto probabilmente più famoso di O’Brien, Ray Harryhausen, che le usò con grande efficacia nella seconda età d’oro del film di mostri, dal 1950s tramite il 1970S. Kong, tuttavia, rappresenta un risultato senza precedenti per il suo tempo, molto più grandioso e ambizioso in termini di portata rispetto a qualsiasi altra cosa a cui puoi paragonarlo allora. Da un lato è un film d’avventura frenetico, con una trama classica del “viaggio nell’ignoto” che viene ancora riciclata per puntate di mostri moderni come Kong: Skull Island. Allo stesso tempo, però, è stato anche un interessante esperimento di fusione tra i generi: un film drammatico d’avventura basato su FX con elementi horror e nessun “antagonista” tradizionale e chiaro. Carl Denham potrebbe adattarsi al conto, ma è meglio descritto come un sognatore ingenuo con le stelle negli occhi, ignaro del dilemma etico di Shanghai un’enorme bestia da mostrare nel mezzo di New York City. Kong, nel frattempo, è una creatura incompresa, che opera sul senso di autoconservazione che ha imparato in una casa dove ha conosciuto solo una lotta quotidiana per la sopravvivenza contro un flusso infinito di mostri. L’empatia del film per Kong e la sua condanna dell’arroganza che ha portato alla sua ascesa all’Empire State Building sono ciò che ha contribuito a rendere la storia un classico così emozionante. —Jim Vorel


45. Il mio vicino Totoro

Anno: 1988
La direttrice: Hayao Miyazaki
Stelle: Noriko Hidaka, Chika Sakamoto, Shigesato Itoi
Voto: G
Tempo di esecuzione: 85 minuti

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Il mio vicino Totoro non è solo il film più iconico di Miyazaki fino ad oggi, è anche un film per famiglie quasi perfetto che riesce a distillare l’essenza della fantasia dell’infanzia fino al suo stato più puro. Impostato in 1955, il film segue il professore universitario Tatsuo Kusakabe (Shigesato Itoi) e le sue figlie Satsuki (Noriko Hidaka) e Mei (Chika Sakamoto) mentre si trasferiscono in una vecchia casa in campagna per essere più vicine alla madre, che si sta riprendendo da una lunga malattia. Vediamo il mondo attraverso gli occhi delle ragazze: saltando attraverso i campi lungo la casa, inseguendo gli acari della polvere svolazzanti, ruzzolando nei buchi alla base degli alberi per atterrare in sicurezza sullo stomaco bulboso di uno spirito animale benevolo. Il mio vicino Totoro è stato rivoluzionario per il suo tempo di deliziarsi in tranquilli momenti contemplativi in ​​un’epoca in cui la maggior parte degli anime era altrimenti dominata dall’inseguimento da un lampo allo spettacolo successivo. In questo modo, il film ha una sorta di fascino senza tempo, disarmando il pubblico vecchio e nuovo dei loro cinismi e sospetti con ambientazioni meravigliose, personaggi empatici e un tema contagioso da banda musicale. Il defunto critico cinematografico Roger Ebert lo ha descritto meglio: “ Il mio vicino Totoro si basa sull’esperienza, la situazione e l’esplorazione, non sul conflitto e la minaccia”. È un film nato completamente dall’immaginazione di un maestro animatore, un film sulla magia quotidiana dell’essere bambini e sul semplice potere di incontrare il mondo con un cuore aperto. —Toussaint Egan


49. Occhi senza una faccia

Anno: 1959
Regista: Georges Franju
Stelle:
Édith Scob, Pierre Brasseur, Francois Guerin
Classificazione: NR
Durata: 91 minuti

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Ricordo di aver visto la mia prima esibizione di Édith Scob in 2012, quando Holy Motors di Leos Carax si è fatta strada sulle coste degli Stati Uniti, in cui ha indossato una maschera di schiuma di mare, vuota e priva di espressione come quella di Michael Myers, nel finale del film. Ho pensato tra me e me: “Accidenti, suonerebbe come gangbusters in un film dell’orrore”. Che idiota che ero: Scob era già apparso in quel film, Eyes Without a Face di Georges Franju, un film gelido, poetico e tuttavia realizzato con amore su una donna e il suo scienziato pazzo papà, che vuole solo rapire le giovani donne che condividono i suoi lineamenti facciali nella speranza di innestare la loro pelle sulla sua stessa tazza sfigurata. (Quello è il materiale del padre dell’anno proprio lì.) Naturalmente, niente va liscio nella narrazione del film, e il tutto finisce in lacrime, oltre a una frenesia di sete di sangue canino. Il regista Franju interpreta Eyes Without a Face nel registro giusto, bilanciando lo snervante, il perverso e l’intimo, come tendono a fare i più duraturi racconti dell’orrore. Se Franju riesce a rivendicare la maggior parte del merito, salva almeno una parte per Scob, i cui occhi sono il miglior effetto speciale nel repertorio del film. La sua è una performance che nasce proprio dall’anima. —Andy Crump


47. Il settimo sigillo

Anno: 1957
Regista: Ingmar Bergman
Stelle: Max von Sydow, Bengt Ekerot, Bibi Andersson
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 92 minuti

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Mi piace qualsiasi pietra di paragone culturale, qualsiasi punto di riferimento onnipresente delle arti più mitoticamente assorbito di quanto effettivamente sperimentato, Il Settimo Sigillo è destinato a essere ricordato male. Conosciamo bene la partita a scacchi con Death (Bengt Ekerot), così come Death’s get-up – una sorta di mix gotico tra moschettiere e monaco – inciso nel firmamento delle nostre ossessioni pop (per la maggior parte della mia età, era in Bill e Ted’s Bogus Journey che il viso e il mantello bianchi come ossa sono stati incontrati per la prima volta), anche se non abbiamo mai visto il film. Conosciamo bene il nome del regista Ingmar Bergman o quello della star Max von Sydow, anche se non conosciamo il loro lavoro, tanto radicati in qualsiasi concezione lavorativa di “cinema internazionale” sono loro, gran parte del quale è dovuto a Il Settimo Sigillo. Conosciamo bene il cupo chiaroscuro del cinema svedese, la pretesa arci-simbolica della roba d’autore che spreme ogni allegria da ogni orifizio dello spettatore. Ma dimentichiamo quanto poco di questo film sia la partita a scacchi, quanto può essere stupida la Morte? Quanto è divertente The Seventh Seal in realtà? “È così crudelmente inconcepibile afferrare Dio con i sensi?” chiede il cavaliere Antonius Block (von Sydow). “Cosa accadrà a quelli di noi che vogliono credere ma non sono in grado di farlo?” Con Il settimo sigillo, una semplice storia su un cavaliere stanco che torna dalle Crociate e scopre che il mondo per cui ha combattuto è stato apparentemente abbandonato da Dio, Bergman ha cercato chiarezza nel problema di fede: voleva mappare il vasto terreno spirituale tra sperimentare e conoscere, tra sentire e credere. Il motivo per cui oggi il film risuona ancora, perché conosciamo il film senza doverlo vivere, è per quella chiarezza nella visione di Bergman: Il Settimo Sigillo è tutto simbolo, metafora , allusione, ma ciò di cui è simbolico, una metafora o allude non è troppo difficile da capire per nessuno di noi. Quando il cavaliere fa una domanda, Dio risponde con il silenzio, e ci sono pochi esseri umani che capiscono meglio di come ci si sente. —Dom Sinacola

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Scritto da Stand Up Comedy Italia

Stand Up Comedy Italia, con i suoi 50.000 fan su Facebook (e migliaia di lettori giornalieri sul sito), è la più grande community italiana dedicata all'umorismo Stand Up. Da quando è stata fondata nel 2014 dal comico Nicola Selenu, Stand Up Comedy Italia ha organizzato oltre 300 spettacoli umoristici in tutta Italia, ospitando i più interessanti comici italiani in circolazione ed è per questo diventata il punto di riferimento per gli spettacoli umoristici di qualità sul territorio nazionale.

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