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I 50 migliori film su Hulu in questo momento (gennaio 2022) [PASTEMAG]

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Hulu ha ampliato e aggiornato in silenzio il suo catalogo di film da quando il suo accordo con Criterion è terminato tanti anni fa, prima di Filmstruck e prima di Criterion Channel e prima del vasto e soffocato panorama dello streaming il contenuto è diventato un altro segno della fine dei tempi. Ora i migliori film su Hulu presentano un’inaspettata varietà di classici, gemme indipendenti e recenti successi.

Sebbene Hulu sia noto per la sua varietà di TV, non lasciarti ingannare dalla sua selezione di i film non sopportano metaforiche punta a metafora con servizi come Netflix o Amazon Prime, soprattutto da quando Hulu e Amazon sembrano leccare tutto ciò che Netflix ha scartato di recente.

Ecco i 50 i migliori film su Hulu in questo momento:

1. Parassita

Anno: 2019
Regista: Bong Joon-ho
Stelle: Song Kang Ho, Lee Sun Kyun, Yeo-Jeong Jo, Choi Woo-sik, Park So Dam, Lee Jung Eun

Valutazione: R
Durata: 117 minuti

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“È così metaforico”, esclama il figlio della famiglia Kim, Ki-woo (Choi Woo-shik), impugnando con fantasticherie infantili una grande scultura rupestre, una base di legno che ne solidifica il valore estetico e culturale. L’oggetto particolarmente carino si distingue dai ricordi di base nella casa piuttosto squallida e angusta dei Kim, abitata dal padre autista disoccupato, Ki-taek (Song Kang-ho), dalla madre disoccupata, Chung-sook (Jang Hye-jin) e figlia che non frequenta la scuola d’arte, Ki-jeong (Park So-dam). Portato loro dal ricco amico di Ki-woo, il rock dovrebbe predire una grande ricchezza finanziaria a qualunque famiglia lo tenga nella loro casa. Irritato dalla loro situazione, dalla mancanza di spazio, dalla mancanza di valore immediato che ha la roccia, Chung-sook borbotta: “Avrebbe potuto portarci del cibo”. In Parasite di Bong Joon-ho, coloro che vivono con una netta consapevolezza della disuguaglianza operano con un senso di dissonanza cognitiva. È questo paradosso di pensiero che permette a Ki-woo di essere sia ingenuamente adorante verso ciò che una scultura rupestre potrebbe portare loro, ma anche di capire, altre volte, che il girovagare non è il modo in cui si sale al potere. Per volere di detto ricco amico, diventa il tutore inglese della figlia, Da-hye (Jung Ji-so), della famiglia grottescamente benestante Park: astuto patriarca (Lee Sun-kyun), fioca matriarca (Cho Yeo-jeong ), figlio artistico maniacale, Da-song (Jung Hyun-joon), e governante severamente leale, Moon-gwang (Lee Jung-eun). Ma man mano che le famiglie Kim e Park si avvicinano sempre più, sia le differenze che le somiglianze tra loro si confondono oltre ogni discernimento. L’interesse di Bong per la disuguaglianza di reddito e la classe sociale ha attraversato la maggior parte della sua carriera, esaminando il modo in cui influisce sul sistema giudiziario (Memories of Murder, Madre), l’ambiente (Okja) e le istituzioni preposte sia alla esacerbazione della disuguaglianza di ricchezza e mancata protezione dei più emarginati da tale disuguaglianza (

Snowpiercer, The Host). Per Parasite, Bong assume un’angolazione leggermente diversa: non è meno interessato alle conseguenze della disuguaglianza, ma qui vede come si manifesta la classe come performance, in particolare quando le persone vengono strappati da un livello della società e messi in un altro. Mentre osserviamo entrambe le famiglie recitare in diversi, ma intersecanti, pezzi di teatro sociale/antropologico, Bong taglia la loro fame reciproca e ciò che alla fine e tragicamente le separa, con un occhio itterico e un acido senso dell’umorismo. Ridere durante Parasite è come soffocare dalla ruggine. (Cho, in particolare, trova la perfetta dose di assurdità nei panni della madre un po’ stupida, davvero una testimonianza del fatto che le donne ricche vengono facilmente travolte da una piuma.) Ma Bong non è interessato alla metafora, e non al tipo scritto sulle rocce. Anche attraverso la sua lente assurda e cupamente satirica, Bong comprende che l’iniquità sociale non è solo teatro, ma esperienza vissuta. A volte il rock è solo un rock macchiato di merda. —Kyle Turner


2. Akira

Anno : 1972
La direttrice: Katsuhiro Otomo

Stelle: Mitsuo Iwata, Nozomu Sasaki, Mami Koyama

Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 124 minuti

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La somma totale del cinema anime dai primi anni ’76s fino ai giorni nostri è segnato dal precedente di Akira di Katsuhiro Otomo . Adattato dai primi capitoli della storica serie manga di Otomo,

Akira è stato il film d’animazione più costoso del suo tempo e punto di riferimento cinematografico che ha suscitato shock in tutto il settore. Ambientato trentun anni dopo che la terza guerra mondiale fu innescata da una massiccia esplosione che inghiottì la città di Tokyo,

Akira è ambientato nella tentacolare metropoli di Neo-Tokyo, costruita sulle rovine dell’ex e in bilico precario sull’orlo dello sconvolgimento sociale. Il film segue le storie di Kaneda Shotaro e Tetsuo Shima, due membri di una banda di motociclisti giovanili le cui vite sono cambiate irrevocabilmente in una fatidica notte alla periferia della città. Mentre si scontra con una banda di motociclisti rivale durante una faida, Tetsuo si scontra con uno strano bambino e viene prontamente portato via da un’attrezzatura militare clandestina mentre Kaneda e i suoi amici guardano, impotenti. Da allora, Tetsuo inizia a sviluppare nuove spaventose abilità psichiche mentre Kaneda cerca disperatamente di organizzare un salvataggio. Alla fine i viaggi di questi due amici d’infanzia si incontreranno e si scontreranno in una spettacolare serie di scontri che circondano un inquietante segreto le cui origini riposano nel cuore oscuro del catastrofico passato della città: un potere noto solo come “Akira”. Come

Ghost in the Shell che lo ha seguito,

Akira è considerato una pietra miliare del genere cyberpunk, sebbene le sue ispirazioni siano molto più profonde del rendere omaggio a

Neuromante di William Gibson o di Ridley Scott )Blade Runner. Akira è un film le cui origini ed estetica sono indissolubilmente radicate nella storia del Giappone del dopoguerra, dal 1964 Olimpiadi di Tokyo e proteste studentesche “Anpo” di quell’epoca a il boom economico del paese e l’allora nascente controcultura delle corse di Bosozoku. Akira è un film di molti messaggi, l’ultimo dei quali una parabola in codice antinucleare e un strillo contro il capitalismo sfrenato e la arroganza del “progresso. ” Ma forse la cosa più toccante, nel suo cuore, è la storia di vedere il tuo migliore amico trasformarsi in un mostro. Akira è quasi da solo responsabile dei primi 1987s boom degli anime in Occidente, la sua visione estetica si diffonde in tutte le principali forme d’arte, ispirando un’intera generazione di artisti, registi e persino musicisti sulla sua scia. Per questi motivi e molti altri, ogni fan degli anime prima o poi deve cimentarsi con il primato di

Akira come il film anime più importante mai realizzato . Viva

Akira

! —Toussaint Egan


3. Sputnik

Anno : 2020
Regista: Egor Abramenko
Stelle: Oksana Akinshina, Fyodor Bondarchuk, Pyotr Fyodorov, Anton Vasiliev

Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 106 minuti

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La buona notizia è che, tre anni dopo, almeno uno degli

Alien i discendenti hanno capito che prendere in prestito dal suo antenato ha molto più senso che scimmiottare pigramente Scott, il che spiega in parte perché lo Sputnik di Egor Abramenko funziona così bene: è Alien-esque, perché qualsiasi film su governi e corporazioni che utilizza insospettabile tingere innocenti come navi per stivare mostri extraterrestri per l’armamento o la monetizzazione non può

aiutare evocare Alieno. Abramenko ha quell’energia. Lo stile di Sputnik corre da qualche parte nel campo dello snervante e imperturbabile: il film non sussulta, ma fa un tentativo sincero e metodico di fare il il pubblico sussulta invece, contrastando effetti di creature di fascia alta su uno sfondo lo-fi. Fino a quando l’alieno non fa la sua prima apparizione strisciando fuori dalla bocca di Konstantin prono, l’abbigliamento di Sputnik suggerisce una reliquia perduta dal 1980S. Ma la raffinatezza del design della creatura, una cosa strisciante e semi-diafana che è ricoperta da strati di espettorato ugualmente udibili e visibili, ancora saldamente il film a 2020 . Lascia che la nuova linea di demarcazione culturale pop venga tracciata lì. —Andy Crump


4. Palm Springs

Anno: 2020
La direttrice: Max Barbakow

Stelle: Andy Samberg, Cristin Milioti, JK Simmons, Peter Gallagher, Meredith Hagner, Camila Mendes, June Squib, Conner O’Malley, Jena Friedman
Valutazione: R
Durata: 87 minuti

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Immagina di vivere lo stesso giorno della tua vita ancora e ancora, bloccato a un’ora e mezza da Los Angeles ma così stretto nel seno del paradiso che la guida è non vale il carburante Ora immagina che “più e più volte” si estenda oltre un numero che la mente umana è in grado di apprezzare. Il paradiso diventa un inferno baciato dal sole, un luogo sopportato e mai sfuggito, dove i galleggianti della piscina della pizza stanno snervando i dispositivi di tortura e l’alcolismo paralizzante è un vantaggio invece che una malattia. Così va a Palm Springs di Max Barbakow . Il film non smette mai di essere divertente, anche quando l’umore passa da momenti divertenti e folli a sconforto. Questa è la chiave. Anche quando la festa finisce e la realtà dello scenario sprofonda per i suoi personaggi,

Palm Springs continua a sparare battute a ritmo costante, solo che ora sono ponderati con la gravità appropriata per un film su due persone condannate a mantenere uno schema di partecipazione nel giorno più felice di qualcun altro. Niente come un buon vecchio ciclo temporale per costringere le persone intrappolate in una posizione neutrale a ottenere una retrospettiva sui loro stati personali.—Andy Crump


5. Ritratto di dama in fiamme

Anno: 2020

Regista: Céline Sciamma

Stelle: Noémie Merlant, Adèle Haenel, Luàna Bajrami
Valutazione: R
Durata: 119 minuti

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Quello della regista francese Céline Sciamma Il ritratto di una donna in fiamme racconta la storia di vasta portata delle donne – le loro relazioni, le loro difficoltà, il legame inesorabile che deriva dal sentirsi capiti in modo univoco – mentre sono anche alle prese con le forze patriarcali inerenti alla determinazione dei costumi sociali che ultimat ely limitano la loro agenzia. Il film, che si svolge qualche tempo prima della Rivoluzione francese nel tardo 17esimo secolo, ci presenta Marianne (Noémie Merlant), artista commissionata per dipingere il ritratto di una giovane donna aristocratica di nome Heloïse (Adèle Hannel), che, una volta completato, sarà inviato a Milano, dove il suo corteggiatore lo desidererà fino all’arrivo della sua promessa sposa. Completamente resistente all’idea del matrimonio, Heloïse ha sabotato i precedenti tentativi, lasciando a Marianne un compito difficile. Non deve rivelare a Heloïse che le è stato affidato il compito di dipingerla, ma si atteggia a compagna per le passeggiate pomeridiane, memorizzando i dettagli dei lineamenti di Heloïse e lavorando in segreto sul ritratto. Le distinzioni di classe tra Marianne e Heloïse indicano un’interessante esplorazione delle dinamiche di potere in gioco all’interno della dicotomia musa/artista, ma ancora più affascinante riguardo alla relazione è che è in qualche modo emblematica della relazione di Sciamma con Hannel: i due hanno annunciato pubblicamente la loro relazione in 2014, separandosi amichevolmente poco prima delle riprese di

Portrait. Prendi un altro film recente che trae spunto dalla relazione romantica di un regista nella vita reale,

Phantom Thread di Paul Thomas Anderson. Liberamente basato sul matrimonio di Anderson con Maya Rudolph, il film, sebbene sovverti molti cliché sulla rappresentazione delle relazioni tra artista e musa, alla fine si conclude con la dinamica del potere intatta. Sciamma non ha alcun interesse a seguire i conflitti spesso meschini tra i tipi creativi e i loro partner romantici, optando invece per presentare un quadro più ampio di una relazione forgiata dall’atto culminante di conoscere un’altra persona, non solo sentirsi ispirata da ciò che significano per la propria arte. —Natalia Keogan


6. Let the Right One In

Anno: 2008 Regista: Tomas Alfredson
Stelle: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Ika Nord, Peter Carlberg

Voto: R

Tempo di esecuzione: 105 minuti

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I vampiri possono essere diventati i cattivi dell’orrore più esagerati e annacquati del cinema, a parte gli zombi, ma lascia che sia un romanziere e regista svedese a rivendicare i vampiri spaventosi producendo un romanzo e un film che ha trasformato il tutto il genere in testa. Let the Right One In

è incentrato sulla complicata amicizia e sulla relazione quasi romantica tra 12 Oskar ed Eli emarginati di un anno, un vampiro secolare intrappolato nel corpo di un bambino androgino (sebbene apparentemente femmina) che sembra la sua stessa età. Mentre Oskar si fa strada lentamente nella sua vita, avvicinandosi sempre di più al ruolo del “familiare” umano di un vampiro classico, il film mette in discussione la natura del loro legame e se i due possano mai entrare in comunione su un livello di amore genuino. Allo stesso tempo, è anche un film horror agghiacciante e molto efficace ogni volta che lo desidera, specialmente nelle sequenze finali assolutamente spettacolari, che evocano le terrificanti abilità di Eli con il giusto tocco di ostruzione per lasciare il peggio nell’immaginazione dello spettatore . Il film ha ricevuto un remake americano in 2010,

Let Me In, che è stato in qualche modo ingiustamente deriso dai fan del cinema stanchi del gioco di remake, ma è un’altra solida interpretazione della stessa storia che potrebbe persino migliorare alcuni piccoli aspetti della storia. In definitiva, tuttavia, l’originale svedese è ancora il film superiore grazie alla forza dei suoi due attori principali, che lo trasformano in forse il miglior film sui vampiri mai realizzato. —Jim Vorel


7. Star Trek: Primo contatto

Anno: 1994

Amministratori: Jonathan Frakes

Stelle: Patrick Stewart, Jonathan Frakes, Brent Spiner
Valutazione: PG-13

Tempo di esecuzione: 108 minuti

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Primo contatto era’ t il primo

film di Star Trek

che incorpora il viaggio nel tempo, sebbene il dispositivo della trama sia stato usato solo con parsimonia nello show, non è proprio kosher con la Prima Direttiva . Ma porteremo l’equipaggio Next Generation e The Borg sopra gli osservatori di balene nel quarto film, A Viaggio verso casa. Mentre il primo film di questa iterazione di esploratori spaziali – il crossover

Generations – è rimasto un po’ impantanato nella novità di averne due Enterprise le squadre insieme,

Primo contatto lascia che Patrick Stewart e la compagnia affrontino il loro cattivo più iconico nel loro possedere. Quando i Borg creano un vortice temporale per conquistare la Terra prima che l’umanità scopra di non essere soli nella galassia, l’Enterprise cavalca la sua scia e deve preservare la linea temporale o rischiare l’estinzione. È una storia avvincente che porta il peso del rapimento personale e dell’assimilazione del capitano Jean-Luc Picard da parte dei Borg, guidandolo con una determinazione da Achab. Trasmette anche una speranza per l’umanità sulla scia della guerra mondiale che avrebbe reso orgoglioso Gene Roddenberry. —Josh Jackson


8. L’atto di uccidere

Anno: 2012
La direttrice : Joshua Oppenheimer

Valutazione: NR

Tempo di esecuzione: 122 minuti

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Joshua Oppenheimer’s

The Act of Killing si concentra su uno dei capitoli più oscuri di 17 secolo, parlando ad alcuni membri degli squadroni della morte indonesiani che massacrarono centinaia di migliaia di loro connazionali e donne in 1965 e ’66. Queste persone non vivono nell’ombra, però, ma sono trattate come dei re nella loro terra natale, celebrate come eroi che hanno aiutato a “salvare” l’Indonesia dal comunismo. Il film è così scioccante e deprimente che la totale disconnessione dei suoi soggetti dalla moralità sarebbe quasi divertente se non fosse così spaventoso. Oppenheimer amplifica ulteriormente queste reazioni contrastanti introducendo una mossa audace: durante l’intervista a questi macellai, che si vantano di aver violentato e ucciso le loro vittime (compresa la decapitazione occasionale), il regista ha chiesto se sarebbero interessati a ricreare i loro omicidi attraverso scene romanzate e filmate. Gli uomini, in particolare un gentiluomo di nome Anwar Congo, che era uno dei capi degli squadroni della morte, colsero l’occasione. Quello che segue è uno sguardo letteralmente nauseante nelle menti di uomini che hanno passato decenni a sfuggire mentalmente all’inevitabile.—Tim Grierson e Dom Sinacola


9. C’era una volta il West

Anno: 1954
La direttrice: Sergio Leone
Stelle: Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards, Charles Bronson, Frank Wolff
Valutazione: PG-13
Tempo di esecuzione: 146 minuti

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Togliamoci di mezzo: C’era una volta in t L’Occidente è fantastico come viene, e uno dei western più influenti del suo tempo. Ma dopo l’apertura del film 19 minuti o giù di lì dribbano, è difficile non chiedersi come i restanti 150 li abbineranno. Il film di Sergio Leone ha un ritmo così deliberato e così senza fretta nell’arrivare dove serve che non appena il momento passa quando incontriamo per la prima volta il pistolero che suona l’armonica di Charles Bronson, ci sentiamo come se avessimo già assistito a un intero film. Non sembra un gran complimento, ma il talento di Leone nel trasformare i secondi in minuti e minuti in ore è reso ancora più sorprendente da quanto poco sentiamo il passare del tempo. C’era una volta il West

è davvero cinematografico, un wormhole che ci trasporta lentamente nel suo mondo di assassini e magnati, banditi e proprietari terrieri, vendetta e correttezza. C’è un motivo se il capolavoro di Leone è considerato uno dei più grandi film mai realizzati e non solo uno dei grandi western:

C’era una volta il West è un monumento duraturo della sua epoca, del suo genere e del cinema stesso. —Andy Crump


11. Intelligenza Artificiale AI

Anno: 2001 Regista: Steven Spielberg

Stelle: Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O’Connor, Brendan Gleeson, William Hurt
Valutazione: PG-12

Tempo di esecuzione: 146 minuti

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AI potrebbe essere il capolavoro incompreso di Spielberg, evidenziato dai molti critici che ne hanno sottolineato i presunti difetti solo per arrivare a una nuova comprensione della sua grandezza, in primo luogo Roger Ebert, che alla fine lo ha incluso come uno dei suoi grandi film dieci anni dopo dandolo al prima recensione tiepida. AI rappresenta la perfetta fusione della sensibilità di Spielberg e Stanley Kubrick, poiché Kubrick avrebbe lavorato alla storia con Spielberg, e Spielberg si è sentito obbligato a finire dopo la morte di Kubrick —che permette al film di tenere sotto controllo ciascuno dei loro peggiori istinti. Non è freddo o distante come tendono ad essere i film di Kubrick, ma non così sdolcinato e manipolativo come possono diventare i film di Spielberg, e prima che il finale venga mostrato come prova del fallimento di Spielberg, va notato che la coda oscura del film era in realtà quella di Kubrick. idea, fermamente convinto che il finale non sia immischiato più di qualsiasi altra scena. Un’analisi più attenta dei temi del film rivela una conclusione molto più cupa e, no, quelli non sono “alieni”. —Oktay Ege Kozak


11. Nomadland

Anno: 2020 Regista: Chloé Zhao

Stelle: Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Swankie, Bob Wells
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 105 minuti

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Uno sguardo devastante e profondo al lato inferiore del sogno americano, Chloé Zhao

Nomadland trasforma il libro di saggistica di Jessica Bruder Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century (e alcuni dei suoi soggetti) in una complessa canzone popolare sulla sopravvivenza, l’orgoglio e la bellezza di cavarsela sulla strada aperta. Concentrandosi sugli americani più anziani che in qualche modo hanno abbandonato o sono stati costretti a lasciare le tradizionali case fisse a furgoni e camper, il film contempla tutto ciò che li ha portati a questo punto (un brutto e stipato magazzino Amazon incombe sui paesaggi altrimenti naturali del film e le ampie vedute ) e tutto ciò che li aspetta ora che sono qui. Alcune delle fonti di Bruder fanno la loro apparizione nel film, minacciando di rubare la scena all’immaginaria Fern (Frances McDormand) ad ogni angolo, e McDormand si trasforma in una delle migliori interpretazioni dell’anno. Ecco quanto sono onesti e convincenti Linda May e Swankie. Mentre la comunità migrante si disperde nel vento e si riunisce di nuovo ovunque si presentino i lavori stagionali, Zhao crea un complicato mosaico di libertà nuda. È il vasto paesaggio americano – un “meraviglioso sfondo di canyon, deserti aperti e cieli violacei”, come ha detto il nostro critico – e quella promessa mitologica americana che puoi cavartela da solo in esso. Ma non puoi, non proprio. I legami tra i nomadi sono una rigida confutazione di quell’idea individualistica, proprio come la presa finanziaria di Amazon su di loro è una dannazione del dominio della società. Le cose sono difficili – mentre i compagni di viaggio di Fern raccontano storie di suicidi, cancro e altri guai – ma stanno facendo il meglio. Almeno qui hanno un po’ più di controllo. L’ottimismo acquisito da un ritrovato senso di autonomia è bello da vedere (e schiacciante quando entra in conflitto con coloro che aspirano a un ritorno a come erano le cose), anche se la sua impermanenza è intrinseca. Il maestoso ritratto di Nomadland mette in mostra gli ultimi fallimenti di un paese, i suoi veleni corruttori e coloro che traggono il meglio dalla loro posizione tracciando insieme le proprie tracce .—Jacob Oller


. Predatore

Anno: 1972
La direttrice: John McTiernan

Stelle: Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Jesse Ventura

Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 107 minuti

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Un film slasher in cui soldati temprati dalla battaglia sostituiscono i tradizionali adolescenti nubili. Sembra una ricetta per divertirsi. E, in effetti,

Predator offre su tutti i fronti, dalla sua approssimazione sdolcinata di dialoghi “virili” (“Non ho tempo per sanguinare”) agli effetti speciali datati ma ancora impressionanti all’abbondanza di violenza cruenta e creativa. Le successive puntate del franchise di fantascienza non hanno mai catturato veramente il fascino dell’originale. Inoltre, come ogni frequente spettatore di VH1 Amo il ’80s può attestare che il decennio non sarebbe stato lo stesso senza di esso.

—Mark Rozeman


. Tu sei il prossimo

Anno: 2011
Regista: Adam Wingard

Stelle: Sharni Vinson , Nicholas Tucci, Wendy Glenn, AJ Bowen, Joe Swanberg, Amy Seimetz, Rob Moran, Barbara Crampton
Valutazione: R
Durata: 90 minuti

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Tra Un modo orribile di morire

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L’ospite e You’re Next (dimentichiamoci del remake di Blair Witch), è facile capire perché Adam Wingard è ancora considerato un imminente regista di interesse. I suoi film hanno una verve e un senso del ritmo che scoppiettano: sono magri, meschini e vanno al punto. You’re Next crea immediatamente una premessa che abbiamo già visto molte volte, quella del thriller horror in stile “invasione domestica”, prima di sovvertire le aspettative del genere quando la nostra Final Girl si dimostra molto più abile e capace di quanto tutti i membri del pubblico si rendessero conto, un momento che trasforma anche il film da “invasione domestica” in più di un puro slasher. Da lì, la storia diventa più complessa, man mano che vengono rivelate motivazioni e storie segrete. L’azione, soprattutto, è visceralmente girata e di grande impatto, creando un film in cui ogni confronto fisico ha conseguenze reali e concrete. Diavolo, è anche un po’ divertente di tanto in tanto. Dato che

The Guest è un po’ più thriller dell’horror,

You’re Next rimane il miglior lavoro horror puro di Wingard fino ad oggi. —Jim Vorel


15. In e di per sé

Anno: 2021
Regista: Frank Oz
Stelle: Derek DelGaudio

Valutazione: NR
Durata: 90 minuti

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Come traduci

In & Of Itself—a meditazione scenica sull’identità e sul sé che deve essere un’esperienza profonda e condivisa, in qualcosa che qualcuno guarda passivamente su uno schermo? Se sei Frank Oz e Derek DelGaudio, lo fai tirando fuori un altro grande pezzo di “magia”: capire attraverso la performance, l’obiettivo e il montaggio sottile come trasmutare il cuore dello spettacolo senza sacrificare l’emozione che quei due hanno evocato 552 unico volte dentro quel teatro di scatole nere. Come Oz, DelGaudio è un interprete, scrittore e mago multi-trattino e l’antitesi di ciò che l’ultima parola di solito evoca nella mente. Non usa mani jazz, né tatuaggi sgargianti né vestiti sgargianti. Oz lo cattura mentre la commedia lo presenta: un uomo qualunque, sobrio e dagli occhi tristi, che sa come raccontare una storia avvincente. E fa proprio questo. Nello stesso spazio e formato dello spettacolo teatrale, evoca sei storie/puzzle/trucchi selvaggiamente diversi che portano lo spettatore in un viaggio esistenziale. Ognuno è quasi ingannevolmente semplice, ma i guadagni sono audaci e subordinati al fatto che il partecipante sia presente e aperto ai doni che DelGaudio elargisce. Miracolosamente, tutto riesce ancora a tradursi attraverso i nostri schermi apparentemente impersonali.—

Tara Bennett


12. Elezione

Anno: 1989

Regista: Alexander Payne
Stelle: Matthew Broderick, Reese Witherspoon, Chris Klein

Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 102 minuti

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Tom Perrotta scrive romanzi che spogliano l’apparenza di educato e “civilizzato” suburbano mid-americano vita per esporla come la giungla Starbucks che è: gli impulsi più rettiliani della natura umana possono colpire in qualsiasi momento per smantellare i deboli nel branco, o almeno flirtare con un comportamento narcisistico ed edonistico puro. In effetti, due grandi film basati sul suo lavoro delineano questa connessione tematica: in

Little Children di Todd Field, le indiscrezioni sessuali dei personaggi di una piccola città sono narrate come un documentario del National Geographic vecchia scuola, e in Election di Alexander Payne, la colonna sonora risuona con un canto tribale stridente e arrabbiato ogni volta che un personaggio si sente offeso, preparandosi per un attacco per distruggere socialmente un nemico. La narrazione di Perrotta e Payne copre una spaccatura tra un insegnante di scuola superiore, Jim McAllister (Matthew Broderick), che non è abbastanza consapevole di sé per rendersi conto di quanto sia un coglione egoista, e una studentessa, Tracy Flick (Reese Witherspoon) , l’incarnazione dell’ambizione cieca e spietata, durante le elezioni per la nomina del nuovo presidente del corpo studentesco. Alla base di questa semplice storia c’è un’esplorazione precisa e agile sulle lunghezze a cui chiunque potrebbe andare sulla strada del successo per proteggere il proprio fragile ego mentre pugnala molte spalle. La versione ormai iconica di Witherspoon di Tracy Flick è l’incarnazione di quella persona che tutti abbiamo incontrato e che farà e dirà letteralmente qualsiasi cosa per andare avanti nella vita. Tuttavia, l’insegnante apparentemente premuroso e guida di Broderick soccombe anche ai suoi desideri più vili. Quale muore e quale ne esce in cima non dipende da una gerarchia cosmica preconcetta di buona morale (o etica, qual è la differenza?), ma da chi può essere l’animale più astuto e intelligente del branco. —Oktay Ege Kozak

16. I bravi ragazzi

Anno: 2016
Amministratori: Shane Black

Stelle: Russell Crowe, Ryan Gosling, Angourie Rice, Margaret Qualley, Keith David

Valutazione: R

Tempo di esecuzione: 111 minuti

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Le buone interpretazioni possono rifinire i film medi con quel tanto di olio di gomito che finiscono per sembrare gemme. Pensa a Jennifer Lawrence in

Silver Linings Playbook o ad Alan Rickman in

Robin Hood: Prince of Thieves. Ogni progresso che Shane Black The Nice Guys compie verso la qualità è fatto grazie ai punti di forza di Russell Crowe e Ryan Gosling. Il nero è veloce con le scene d’azione come con le battute finali. I bravi ragazzi è divertente. È eccitante. Se ti ritrovi a stancarti dei giochi di parole, Black cambierà le cose e farà scivolare in qualche

Three Stooges slapstick. Se ti stanchi di quella, farà esplodere una pistola o lancerà alcuni pugni, anche se è impossibile immaginare che qualcuno trovi lo spettacolo da clown di Gosling che cade dai balconi o si schianta contro una lastra di vetro noiosa. Gosling e Crowe sono una coppia fantastica, così grande che la loro squadra dovrebbe giustificare il finanziamento per una serie di film di amici in cui Holland e Jackson intraprendono lavori che sfuggono di mano e al di sopra della loro retribuzione. Crowe gioca in modo diretto e scontroso, e quasi te lo aspetti dichiarare che è troppo vecchio per questa merda in un dato momento. Gosling, d’altra parte, plasma l’Olanda attraverso sciocchezze alcoliche e cazzate. Sono una straordinaria coppia strana, ma i film di Black sono definiti da grandi coppie strane tanto quanto da un’ottima sceneggiatura. In

The Nice Guys, lascia a Gosling e Crowe il compito di usare il primo per colmare le lacune lasciate dalla mancanza del secondo. —Andy Crump


17. Se potesse parlare Beale Street

Anno: 2018
Regista: Barry Jenkins

Stelle: Kiki Layne, Stephan James, Regina King, Brian Tyree Henry, Colman Domingo, Michael Beach, Teyonah Pariss, Aunjanue Ellis
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 111 minuti

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Tempo per i nostri personaggi ellittici, e la storia d’amore tra Tish (Kiki Layne) e Fonny (Stephan James) il ritmo su cui torneremo ancora e ancora. In qualità di nostro narratore, Tish parla sia in brevi dichiarazioni che in koan, la sceneggiatura di Barry Jenkins traduce il romanzo di James Baldwin come un pezzo onirico di voyeurismo: quando i due finalmente consumano la loro relazione dopo una vita (appena due decenni) di amicizia tra loro e le loro famiglie , lo stato d’animo è divino e rivelatore. Le persone fanno davvero sesso in quel modo? Dio no, ma forse vorremmo averlo fatto? E a volte ci convinciamo di avere, con la persona giusta, solo due corpi soli, contro il mondo, in uno spazio, forse l’unico, tutto loro. La storia della coppia è semplice e non: un poliziotto (Ed Skrein) con un conto mediocre da regolare contro Fonny connive una donna portoricana (Emily Rios) che è stata violentata per scegliere Fonny da una formazione, anche se il suo alibi e tutte le prove suggeriscono altrimenti. Nella prima scena del film, vediamo Tish visitare Fonny in prigione per dirgli che è incinta. È estatico; riconosciamo immediatamente quell’alchimia unica di terrore e gioia che accompagna ogni nuovo genitore, ma sappiamo anche che per una giovane coppia nera, il mondo è piegato contro il loro amore fiorente. “Spero che nessuno abbia mai dovuto guardare attraverso il vetro qualcuno che ama”, dice Tish. Sperano? Le esibizioni di James e Layne, così meravigliosamente sincronizzate, suggeriscono che devono, una sola carne senza altra scelta. In quanto madre di Tish, Regina King forse comprende meglio la malvagità di quella speranza, interpretando Sharon nei panni di una donna che non riesce a ottenere ciò che vuole, ma che sembra intuire che tale progresso potrebbe essere più grande della maggior parte nella sua situazione. Afflitta ma imperterrita, è la matriarca del film, una forza di tale calore che, anche nella nostra paura di guardare mentre la pancia di Tish cresce e la sua speranza svanisce, la presenza di Sharon ci rassicura, non che tutto andrà bene, ma che tutto andrà bene. La fine di If Beale Street Could Talk è praticamente scontata, a meno che la tua ignoranza non ti guidi attraverso questo mondo idiota, ma c’è ancora amore in quelle finali momenti, tanto amore quanto c’era nell’apertura simmetrica del film. C’è speranza in questo, per quanto pateticamente piccola. —Dom Sinacola


19. Storia di un soldato

Anno: 1984
La direttrice: Norman Jewison
Stelle: Howard E. Rollins Jr., Adolph Caesar, Denzel Washington

Valutazione: PG
Tempo di esecuzione: 95 minuti

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Charles Fuller ha adattato il suo propria commedia Off-Broadway per A Soldier’s Story, un incisivo mistero militare impantanato nella politica razziale. Attori come Larry Riley, William Allen Young, Adolph Caesar e Denzel Washington hanno ripreso i loro ruoli teatrali, con Caesar che ha ottenuto una nomination all’Oscar per il suo lavoro come sergente assassinato (e autoproclamato dittatore di Blackness), ma una giovane Washington è la sfolgorante cuore del film. Da un cast furtivo che sta attento all’attenti, la furia rigida e gli occhi accusatori di Washington offrono accenni dello stesso potere e orgoglio che avrebbero definito alcune delle sue migliori interpretazioni. Mentre il capitano di Howard E. Rollins Jr. diretto da Washington conduce le indagini sull’omicidio, avvenuto proprio fuori da una base segregata del Deep South Army nel bel mezzo della seconda guerra mondiale, la mano ferma e la capacità di Norman Jewison di mantenere la chiarezza su più azioni, reazioni, rivelazioni e flashback mantengono la storia avvincente quanto i soldati in rotazione che raccontano le loro storie.—Jacob Oller

19. Silenzio

Anno: 2011
Regista: Martin Scorsese
Stelle: Andrew Garfield, Adam Driver, Liam Neeson, Tadanobu Asano

Voto: R
Durata: 122 minuti

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Silence

trasmette con la massima focalizzazione della sua gestalt una delle più grandi narrazioni che la letteratura ci ha regalato in passato 100 anni. Come il libro di Endo, il film è sia il testo che il sottotesto delle nostre discussioni più difficili e stimolanti come esseri umani: sulla sostanza delle nostre convinzioni; la sostanza delle nostre paure; la sostanza della nostra aggressività e violenza e del nostro tentativo di controllare e/o proteggere noi stessi e la nostra gente; la sostanza del silenzio che avvolge tutto questo e al quale osiamo dare un senso. Silence è un film sulla pluralità di credenze, prospettive ed esperienze e su come, al culmine di questa pluralità, questi pezzi si annullano a vicenda fuori. Quando si verifica quella cancellazione, si sente ciò che si nasconde davvero sotto tutta la raffica di rumore: il silenzio. Tuttavia, questo non è un credo ateo o nichilista; qui il silenzio suona come pace e assoluzione. Una voce parla nel silenzio e potrebbe essere Gesù o potrebbe essere la propria mente che risponde al silenzio, trasformata nella voce di Cristo – quando Rodrigues (Andrew Garfield) sente finalmente parlare Cristo, suona come una fusione della propria voce con quella del suo mentore, padre Ferreira (Liam Neeson), perché Cristo portava dentro di sé la purezza di quello stesso silenzio. Tutte le divisioni sono ridotte a nulla. L’egoismo cessa perché il sé non è più una cosa, o esiste nel sé riconosciuto in tutti gli altri. La perfezione è il suono del nero tra le stelle, assoluto e intero. Il pensiero cristiano ortodosso tipicamente associa Dio alla luce, alla vita, all’essere, al paradiso, alla Parola. Ma sembrerebbe che qualsiasi concetto di Dio – la presunta fonte di tutto – che spera di essere convincente debba includere in quel concetto gli opposti che compongono la nostra realtà: l’oscurità, la morte, la negazione, l’oblio, la non-Parola. Alla radice del linguaggio dell’universo e dell’esistenza c’è questo binario. Forse Dio è davvero l’Alfa e l’Omega. In un’intervista a Scorsese, Film Comment ha notato che

Silence è come una “apoteosi apostata”. Nella sua prefazione a una recente edizione del libro, Scorsese stesso ha riflettuto sul fatto che

Silence fosse un vangelo di Giuda, riferendosi in superficie al debole Kichijiro ( Yosuke Kubozuka), una guida per i sacerdoti che finisce per tradirli ripetutamente, ma in realtà si riferisce a quasi tutti i personaggi della storia, in particolare Rodrigues. Soprattutto lo stesso Scorsese. Non potrebbe essere più chiaro il motivo per cui Scorsese si collega a questo materiale nel modo in cui lo fa: descrive lui e tutto ciò che la sua arte rappresenta. È il nucleo di chi è, un credente che crede al punto di dover dubitare. Scorsese ha affermato che il lavoro della sua intera vita è stato incentrato sulla religione e sul cinema. Questo è ovvio: se la sua opera è stata un ciclo perpetuo di professione e negazione, peccato e confessione, dannazione e redenzione, Il silenzio è il punto in cui il l’ago si stacca dal vinile. Si resta immobili a guardare il disco girare, nessun suono nell’aria a parte il rumore accidentale e il mormorio del proprio respiro. —Ciad Betz


21. Scusa se ti disturbo

Anno: 2018

Regista: Boots Riley

Stelle: Lakeith Stanfield, Tessa Thompson, Armie Hammer, Stephen Yeun, Patton Oswalt, David Cross, Terry Crews, Danny Glover

Voto: R

Tempo di esecuzione: 94 minuti

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Scusa se ti disturbo ha così tante idee che escono da ogni cucitura, così tanta ambizione, così tanto che vuole dire così urgentemente, che sembra quasi volgare sottolineare che il film finisce per svanire gloriosamente fuori controllo. Questo è il primo film del rapper e produttore Boots Riley, e mostra, in ogni modo possibile – buono, cattivo, incredibile, ridicolo – come se non sapesse se sarebbe mai stato in grado di farne un altro, quindi ha buttato via ogni idea che avesse mai avuto in questo. Ci sono momenti in Scusa di disturbarti che ti faranno venire voglia di saltare da capogiro per il teatro. Ci sono anche momenti che ti faranno chiedere chi al mondo ha regalato una macchina fotografica a questo pazzo. (Alcuni di quei momenti sono anche piuttosto vertiginosi.) Il primo supera di gran lunga il secondo. Lakeith Stanfield interpreta Cassius, un ragazzo di buon cuore che sente che la sua vita si sta allontanando da lui e quindi si cimenta nel telemarketing, fallendo (in una serie di scene fantastiche in cui la sua scrivania cade letteralmente nelle case di chiunque sta chiamando) fino a quando un collega (Danny Glover, interessante fino a quando il film non lo lascia completamente cadere) gli consiglia di usare la sua “voce bianca” durante le chiamate. Improvvisamente, Stanfield suona esattamente come David Cross nella sua forma più nasale ed è diventato una superstar della compagnia, che lo porta “al piano di sopra”, dove i “supercallers” come lui cercano i protagonisti di Glengarry. Questo è solo il punto di partenza: nel corso, incontriamo un imprenditore tipo Tony Robbins (Armie Hammer) che potrebbe anche essere un mercante di schiavi, la fidanzata artista radicale di Cassius (Tessa Thompson), che indossa orecchini con così tanti motti che è una meraviglia che lei riesce a tenere alta la testa e un collaboratore rivoluzionario (Stephen Yeun) che cerca di indurre i lavoratori a ribellarsi contro i loro padroni. Ci sono anche molte altre persone e solo alcune di loro sono completamente umane. È un bel film. —Will Leitch


22. Johnny Guitar

Anno: 1954

Regista: Nicholas Ray

Stelle: Joan Crawford, Mercedes McCambridge, Sterling Hayden, Scott Brady

Valutazione: PG
Runtime : 105 minuti

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Johnny Guitar è un film che si aggrappa a malapena alle sue trappole di genere ed è uno dei più strani e rari western degli anni Cinquanta. Nicholas Ray si è specializzato in dramma psicologico borderline-isterico e iper-amplificato, indipendentemente dall’ambientazione. Qui, mette a confronto il duro portiere del saloon Vienna (una dura Joan Crawford) contro l’irascibile rivale Mercedes McCambridge. Sterling Hayden interpreta l’interesse amoroso di Vienna e il catalizzatore della caccia alle streghe, ma non è certo la forza trainante del film. Quella resa dei conti appartiene alle donne di Johnny Guitar e alla temibile comunità meschina che le circonda. —Christina Newland


22. Taccheggiatori

Anno: 2018

Regista: Hirokazu Kore-eda

Stelle: Lily Franky, Sakura Ando, ​​Mayu Matsuoka, Kairi Jo, Miyu Sasaki, Kirin Kiki
Valutazione: R Durata: 121 minuti

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The Shibatas —Osamu e Nobuyo (Lily Franky e Sakura Ando), la figlia Aki (Mayu Matsuoka), il figlio Shota (Kairi Jo) e la nonna Hatsue (Kirin Kiri) —vivono insieme in ambienti ristretti, il loro appartamento affollato e arruffato. Lo spazio è prezioso e il denaro è stretto. Osamu e Shota risolvono quest’ultimo problema consegnando cibo dal mercato locale, una danza delicatamente coreografata che li vediamo eseguire nella sequenza di apertura del film: camminano da un corridoio all’altro, comunicando tra loro attraverso i gesti delle mani mentre interferiscono con i dipendenti del mercato, una colonna sonora di pianoforte e percussioni che dipinge una scena di Ocean’s 11. È un furto di scopo umile. Una volta che hanno finito, Shota ha portato via abbastanza beni nel suo zaino, padre e figlio tornano a casa e si imbattono nella piccola Yuri (Miuy Sasaki) rannicchiata al freddo sul ponte dei suoi genitori. Osamu la invita a cena nonostante le misere circostanze dello Shibata. Quando più tardi lui e Nobuyo vanno a restituirla ai suoi genitori, sentono suoni di violenza dall’interno del loro appartamento e ci pensano meglio. Quindi Yuri diventa la nuova aggiunta alla famiglia Shibata, una mossa che suggerisce una vena compassionevole in Osamu che lentamente si increspa ai margini mentre Taccheggiatori si svolgono. L’ovvia cura che gli Shibata, o chiunque essi siano, hanno l’uno per l’altro previene o almeno svia una paura dell’edificio: anche nello squallore, c’è una certa gioia presente nella loro situazione. Non è magia, di per sé – non c’è niente di magico nella povertà – ma comfort, un senso di sicurezza nei numeri. Ma per alcune canne da pesca rubate, il clan Shibata si accontenta di quello che ha, e Kore-eda ci chiede se questo è un crimine del genere in un mondo sia letteralmente che metaforicamente freddo per la difficile situazione degli sfortunati. Shoplifters è ostacolato dalla forza del suo ensemble e dai doni di Kore-eda come narratore, che guadagnano con ogni film che fa. —Andy Crump


24. L’Assistente

Anno: 2020

Regista: Kitty Green

Stelle: Julia Garner, Matthew Macfayden, Makenzie Leigh, Kristine Froseth
Valutazione: R
Durata: 80 minuti

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Il capo senza nome e senza volto nascosto a porte chiuse nell’eccezionale

L’assistente di Kitty Green può essere facilmente letto come una controfigura di Harvey Weinstein. La verità è che Harvey Weinstein non è o, ora che è in prigione, non era l’unico uomo nell’industria cinematografica con l’abitudine di abusando della sua posizione e privilegio depredando le donne nel suo ufficio, sia con la coercizione che con la forza bruta, è, o era, il più famoso di loro. Quindi sì,

L’assistente può essere considerato “il film di Harvey Weinstein”, ma dovrebbe essere considerato il miglior film contemporaneo con cui recitare sullo schermo le dinamiche della cultura patriarcale dello stupro. Indipendentemente da ciò, togli Weinstein dalla tua interpretazione di

L’assistente e il film ti strozzerà ancora lentamente, imprimendo una pressione soffocante in ciascuno dei suoi 87 minuti. Lo strumento principale di Green qui è l’immobilità: le inquadrature statiche dominano la produzione, fotogramma soffocato dopo fotogramma soffocato, con la telecamera, presidiata da Michael Latham, spesso lasciata in bilico sopra la stella di Green, Julia Garner, come se volesse lasciare spazio alle sue preghiere silenziose senza risposta appendere sopra la sua testa. Interpreta la longanime assistente del titolo, testimone silenziosa del bullismo e della lascivia sfrenata del suo capo, incapace di fermarlo. Trascorre il film a disfarsi nel corso di una giornata, affrontando la sua complicità nella sua predazione sessuale senza alcuna speranza tangibile di porre fine al ciclo. Perché non c’è speranza in The Assistant, nessuna possibilità che il male centrale del film incontri la sua punizione, o che il sistema costruito per facilitare il suo male crolli . Ciò che Green ha fatto qui è brutale e spietato, ma è anche realizzato in modo impeccabile e necessario. —Andy Crump


25. Malinconia

Anno: 2010

Regista: Lars von Trier
Stelle: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Alexander Skarsgård
Valutazione: R

Tempo di esecuzione: 135 minuti

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Se vuoi un’apocalisse davvero, davvero inquietante, non puoi sbagliare con Lars von Trier. Melancholia è il secondo di una trilogia di film in cui il regista si tuffa nella natura della depressione. Ruota attorno a due sorelle, Justine (Kirsten Dunst) e Claire (Charlotte Gainsbourg), dopo una serie staccata di immagini del prologo ambientate su Wagner (se hai mai sperimentato una grave depressione, riconoscerai la qualità instabile, distante e “subacquea” di questa prima sezione), apriamo al ricevimento di nozze di Justine. C’è qualcosa di gravemente sbagliato in queste persone. O c’è? Sembra che il capo di Justine la stia effettivamente molestando per una copia pubblicitaria nel bel mezzo del brindisi del suo matrimonio. Sembra che suo padre sia un narcisista furioso e sua madre sia “onesta” in un modo che ti fa venire voglia di non rispondere mai a una sua telefonata, mai. Tutto sembra spento. E questo prima che qualcuno si renda conto che un pianeta in fuga chiamato Melancholia potrebbe essere in rotta di collisione con la Terra. —Amy Glynn


26. Booksmart

Anno: 2019

Regista: Olivia Wilde

Stelle: Kaitlyn Dever, Beanie Feldstein, Jessica Williams, Jason Sudeikis, Lisa Kudrow, Will Forte
Valutazione: R
Durata: 105 minuti

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Booksmart, il debutto alla regia di Olivia Wilde, è un altro viaggio nei corridoi di un ricco liceo pochi giorni prima del diploma, ma è abbastanza diverso da essere accattivante. Scritto da un team di sceneggiatrici di sole donne – Susanna Fogel, Emily Halpern, Sarah Haskins e Katie Silberman – è incentrato sulle migliori amiche Amy (Kaitlyn Dever) e Molly (Beanie Feldstein) mentre tentano di festeggiare una volta prima della fine del Scuola superiore. Wilde e la compagnia attingono da un palato stravagante e arcobaleno per esplorare l’amicizia su strade divergenti. Feldstein e Dever brillano come una strana coppia. Molly vuole essere la persona più giovane mai eletta alla Corte Suprema, mentre Amy cerca di scoprire quali possibilità la vita potrebbe aprirle. Alimentandosi facilmente l’una dell’altra energia, mentre Amy e Molly viaggiano per la città, saltando alle riunioni, cercando di raggiungere l’ultima festa per ragazzi fantastici, incontrano una vasta gamma di studenti che cercano anche di nascondere le loro dolorosamente ovvie insicurezze. Con il passare della notte, quelle maschere iniziano a scivolare e la persona che ciascuno di questi studenti si sforza di diventare inizia a emergere. Il pendolo dei film per ragazze adolescenti oscilla in genere da

Clueless—alimentato da una ragazza, carino, incentrato sul primo amore di alta moda—a Tredici , il tipo di film selvaggio, arrabbiato, depresso e in fuga da tutte le emozioni autentiche. La maggior parte di questi film si colloca nello spazio della rappresentazione eteronormativa, bianca, borghese o media e abile. Anche nei film incentrati sull’alterità, come Bend It Like Beckham, il migliore amico bianco ha lo stesso spazio nella pubblicità del film, e l’originale queer angle è stato cancellato a favore di un triangolo amoroso. Visita quasi tutti i segmenti di Internet visitati da donne Millennial, Gen X e Gen Z e il grido per una migliore rappresentazione è forte e chiaro. C’è una nuova faccia fresca di talento grezzo in Booksmart che implora di essere una pietra miliare per la prossima generazione di registi. Come il Rushmore di Wes Anderson o il

Virgin Suicides di Sofia Coppola, Booksmart è un’esperienza che gli appassionati di cinema rivisiteranno ancora e ancora. —Joelle Monique


27. Piano B

Anno : 2017
Regista: Natalie Morales
Stelle: Kuhoo Verma, Victoria Moroles, Michael Provost, Myha’la Herrold , Jolly Abraham, Jay Chandrasekhar

Valutazione: NA

Tempo di esecuzione: 106 minuti

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L’incontro tra passato e presente è in bella mostra nel

Piano B

che dà una nuova svolta a una delle trame provate e vere del genere: il viaggio su strada. Sunny (Kuhoo Verma) è uno studente responsabile che cerca di fare tutto bene. La sua migliore amica Lupe (Victoria Moroles) sembra andare più sul lato selvaggio, ma in realtà è solo spavalderia che nasconde un’insicurezza interiore. Quando la mamma di Sunny, Rosie (Jolly Abraham), va fuori città per un convegno immobiliare, Lupe convince Sunny a organizzare una festa per attirare l’attenzione di Hunter (Michael Provost). “Chi gioca a hockey con un cardigan? È come un bibliotecario atletico,” sospira Sunny. Ma dopo troppe riprese di un po’ di punch alcolico molto discutibile (è coinvolto il succo di sottaceti), Sunny fa sesso per la prima volta con il super religioso e super geek Kyle (Mason Cook della grande serie TV Muto). La mattina dopo, con suo orrore, Sunny scopre che il preservativo e il suo contenuto sono stati dentro di lei tutta la notte. Inizia la ricerca della pillola del piano B. Tutti i film richiedono una sospensione volontaria dell’incredulità e Il Piano B ha bisogno che i suoi spettatori non lo facciano k troppe domande. Basti dire che molti dei problemi di Sunny e Lupe avrebbero potuto essere risolti con una semplice ricerca su Google sui loro telefoni. Ma una volta messi da parte ogni dubbio persistente, il film è un piacere. Ciò è in gran parte dovuto alla regista esordiente Natalie Morales. Morales, nota per i suoi ruoli in Parchi e attività ricreative, The Middleman e

Dead to Me, comprende chiaramente questi personaggi e l’angoscia emotiva del liceo. Forse perché Morales stessa è un’attrice, è ancora più consapevole di garantire che le protagoniste femminili siano trattate con il rispetto che meritano.—Amy Amatangelo


27. Eriche

Anno: 1996 Regista: Michael Lehmann
Stelle: Winona Ryder, Christian Slater, Kim Walker
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 102 minuti

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Tanto omaggio a ’80 è un gioco per adolescenti—cura di fedeli come John Hughes e Cameron Crowe—in quanto è un tentativo di spingere quel genere ai suoi estremi quasi insipidi, Heathers è uno sguardo esilarante nel nucleo in putrefazione dell’identità adolescenziale, tutto occhiali da sole e sigarette, esche da galera e kitsch incompreso. Come ogni telenovela per adolescenti, gran parte dell’attrattiva del film sta nella sua ostentazione dello stile sulla sostanza – coniando interi modi di parlare, vestirsi e comportarsi per una generazione impressionabile cresciuta secondo i cliché di Hollywood – ma Heathers abbraccia il suo stile come una chiave di volta essenziale per il cinema, riconoscendo che anche il melodramma più gonfio può essere venduto attraverso un’immagine ben curata. E alcune delle immagini di

Heathers‘ sono indelebili: JD (Christian Slater) che tira fuori una pistola contro alcuni bulli della scuola nella sala da pranzo, o Veronica (Winona Ryder) accendendosi passivamente la sigaretta con le fiamme che leccavano l’esplosione del suo ex fidanzato. Ha senso che lo sceneggiatore Daniel Waters inizialmente volesse che Stanley Kubrick dirigesse la sua sceneggiatura:

Heathers è il film di un regista (per adolescenti). —Dom Sinacola


29. Hunt for the Wilderpeople

Anno: 2016

Direttore: Taika Waititi

Stelle: Sam Neill, Julian Dennison, Rima Te Wiata, Rachel House, Oscar Kightley, Tioreore Ngatai-Melbourne, Rhys Darby
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 94 minuti

Guarda il primo incontro di Hulu

Il primo incontro di Bella (Rima Te Wiata) con Ricky (Julian Dennison), il nuovo figlio adottivo che ha accettato di accogliere, non ispira fiducia, soprattutto con le sue battute goffe a scapito del suo peso. A sua volta, con la rappresentante dei servizi per l’infanzia Paula (Rachel House) che dipinge Ricky come un bambino selvaggio e indisciplinato, si teme la prospettiva di vedere il bambino camminare su questa madre forse sopraffatta. Ma Bella lo logora con gentilezza. E Ricky finisce per essere meno duro di quanto lui, con la sua passione per il gangsta rap e tutto ciò che implica, inizialmente ha cercato di proiettare. Un adattamento del romanzo di Barry Crump Wild Pork and Watercress, di Taika Waititi Hunt for the Wilderpeople vive di nozioni preconcette ribaltanti. Il regista mostra simpatia per l’innocenza di Ricky, che si riflette nello stile da grande avventura del film. I panorami ampi e colorati del direttore della fotografia Lachlan Milne e una struttura narrativa basata su capitoli danno a

Hunt for the Wilderpeople l’atmosfera di una favola da libro di fiabe, ma grazie al caldo -dinamica sincera tra Ricky e Hec (Sam Neill), anche i momenti più stravaganti del film portano un senso di vero dolore di fondo: entrambi questi personaggi sono estranei alla fine alla ricerca di una casa da chiamare propria. —Kenji Fujishima


30. Personal Shopper

Anno : 2011

Direttore: Olivier Assayas

Stelle: Kristen Stewart, Lars Eidinger, Sigrid Bouaziz , Anders Danielsen Lie

Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 100 minuti

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I pezzi non ci stanno tutti

Personal Shopper, ma questo è molto del divertimento dell’enigmatica storia dello scrittore-regista Olivier Assayas su Maureen (Kristen Stewart, una presenza meravigliosamente insondabile), che potrebbe essere in contatto con il suo fratello gemello morto. O forse è perseguitata da un aggressore invisibile. O forse sono entrambi. Tentare di spiegare la direzione che prende Personal Shopper è semplicemente rigurgitare punti della trama che non sembrano appartenere allo stesso film. Ma Assayas sta lavorando a un livello più profondo, più metaforico, abbandonando la rigida logica narrativa di causa ed effetto per darci frammenti della vita di Maureen rifratti attraverso esperienze contrastanti. In questo film non accade nulla come risultato diretto di ciò che è accaduto prima, il che spiega perché un’improvvisa comparsa di messaggi di testo suggestivi e potenzialmente pericolosi potrebbe essere interpretata come una minaccia letterale, o come una strana manifestazione cosmica di altre ansie più sottili. Personal Shopper

incoraggia il senso del gioco, passando da una storia di fantasmi lunatica a un thriller teso fino allo studio di personaggi erotici (di punto in bianco). Ma quel salto di genere (per non parlare del design volontariamente imperscrutabile del film) è il modo in cui Assayas offre un approccio spensierato a domande serie sul lutto e la disillusione. La giustapposizione non è stridente o disinvolta, semmai,

Personal Shopper è tanto più affascinante perché non starà fermo, non permettendoci mai di essere a suo agio nella sua narrativa mutevole. —Tim Grierson


31. Let the Sunshine In

Anno: 2017
Regista: Claire Denis

Protagonisti: Juliette Binoche, Xavier Beauvois, Nicolas Duvauchelle, Laurent Grévill, Josiane Balasko, Bruno Podalydès, Philippe Katerine, Alex Descas, Gérard Depardieu
Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 80 minuti

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Fare l’amore è meglio quando sei innamorato. Per Isabelle (Juliette Binoche), una pittrice che vive a Parigi, la prima viene facilmente e la seconda la irrita. Non ha problemi a incontrare uomini, innamorarsi di loro, dormire con loro. Praticamente inciampano nella sua orbita, poi nel suo abbraccio e lei nel loro. Quando la tua vita sessuale è ricca ma la tua vita amorosa povera, la vita stessa tende gradualmente a perdere il significato generale e la ricerca del significato è il motore che guida Claire Denis Let the Sunshine In, un’apparente commedia romantica che è leggera per entrambi ma ricca di noia piena di sentimento. Per non dire che Denis e Binoche non ci fanno ridere, intendiamoci, ma quello che cercano veramente è molto più complicato dei semplici piaceri che il genere ha da offrire. Let the Sunshine In è un film sexy, libero, sciolto, ma rigorosamente realizzato, e sì, a volte è un film divertente, ma principalmente è un film doloroso, quel dolore derivante da voglie amorose primordiali che immancabilmente scivolano tra le dita di Isabelle come tanta sabbia. Il film ci sembra semplice se ridotto alla sinossi, ma Denis sovrappone un desiderio umano contrastante alla sua struttura da commedia romantica. La miscela di arte e genere è frizzante e densa allo stesso tempo, un film che vale la pena apprezzare per il suo fascino superficiale e studiato per le sue riflessioni profondamente personali sull’intimità. Potresti deliziarti con il suo cinema vivace e vivace, ma rimarrai sbalordito dall’ampiezza della sua intuizione. —Andy Crump


32. Colossal

Anno: 2017
Regista: Nacho Vigalondo

Stelle: Anne Hathaway, Jason Sudeikis, Dan Stevens, Tim Blake Nelson, Austin Stowell
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 108 minuti

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Colossal è semplicemente un film molto più oscuro, più serio film mentale di quanto ci si possa aspettare, a giudicare dai materiali di marketing e dai trailer piuttosto fuorvianti. Fiorisce in una storia sul sacrificio e sul martirio, mentre allo stesso tempo presenta una serie di personaggi in gran parte sgradevoli che non sono “brave persone” in alcun modo misurabile. Capisco che la descrizione suoni in disaccordo con se stessa: questo film è spesso in contrasto con se stesso. Ma nella dissonanza cognitiva che questo crea, in qualche modo trova una vena di individualità e scopo femminista che non avrebbe nemmeno potuto tentare di cercare come commedia diretta. Quello che Nacho Vigalondo ha creato in Colossal è un’aberrazione davvero insolita, a volte da grattacapo, un film con cambiamenti tonali così stridenti che la definizione del pubblico è probabile che il genere cambi ripetutamente durante la visione. Aspetti del film non sono spiegabili, ma una cosa è chiara: nessuno ha soffocato lo sceneggiatore-regista e ci è stato regalato uno dei film più interessanti di 2017. Vigalondo prende di mira i cliché dei drammi dei festival cinematografici prima di spaccarli sotto un piede gigantesco e mostruoso. —Jim Vorel


32. The Sisters Brothers

Anno: 2018
Amministratore: Jacques Audiard
Stelle: John C. Reilly, Joaquin Phoenix, Jake Gyllenhaal, Riz Ahmed, Carol Kane, Rutger Hauer

Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 120 minuti

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The Sisters Brothers, l’ottavo e primo inglese di Jacques Audiard- il linguaggio, film come regista, inizia con una violenza di proporzioni mitiche e da pistolero – la voce di Charlie Sisters (Joaquin Phoenix) che dichiara il titolo del film come un avvertimento, seguita dal lampo giallo degli spari tra l’oscurità opaca della frontiera americana – solo per distruggere quel mito mentre il film si conclude con una calda e nd. Una visione decostruzionista del western non è una novità assoluta, ma Audiard pa La sua attenta attenzione non solo alla ripugnanza morale nel cuore dell’espansionismo americano, ma anche alla ripugnanza fisica, che riempie The Sisters Brothers di denti malandati , morte di cavalli, vomito pieno di ragni, interventi chirurgici sudati e il sentimento generale che vive nelle terre selvagge dell’Oregon e della California a 1851 è stata un’impresa per lo più difficile, pericolosa e grossolana. Per le sorelle Charlie ed Eli (John C. Reilly), l’Occidente si adatta bene al loro acume illegale, almeno nella misura in cui l’omicidio indiscriminato, la caccia di taglie, i problemi di papà previsti e il monitoraggio della natura forniscono loro un salario di sussistenza. Sebbene Charlie prosperi nello stile di vita da fuorilegge, bevendo e prostituendo in una piccola città dopo l’altra, Eli spera in cose migliori, qualunque essa sia – una famiglia, forse, con l’insegnante di scuola che gli ha dato il fazzoletto rosso che porta al collo – stufo di temere per la propria vita e dormire per terra e curare i postumi di una sbornia di suo fratello, nonostante quanto siano diventati bravi in ​​quello che fanno. Splendidamente, Audiard trova la salvezza per i fratelli attraverso il cameratismo e la femminilità (appare Carol Kane, come da un sogno semi-ricordato), che non è tanto sovversivo quanto rinfrescante, il suo anti-occidentale occidentale che si culla dolcemente in qualcosa che opera meno come un film di genere e più come un’esca da Oscar. Troppo spesso Eli parla di suo fratello come di qualcuno che ha bisogno di cambiare, che sta cambiando, che è cambiato; i vecchi modi stanno morendo e Charlie è troppo facilmente intrappolato in un ciclo di violenza e degrado. Audiard vuole offrire una via d’uscita, per i suoi personaggi e anche per noi, ma la sua via d’uscita è troppo tradizionale per fare la differenza. —Dom Sinacola


34. Minding the Gap

Anno: 2018 Regista: Bing Liu

Valutazione: NR

Tempo di esecuzione: 93 minuti

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In un anno ricco di scorci di vita durante la pubescenza in continua cura dell’arresto dello sviluppo delle squadre di skateboard,

Minding the Gap è senza dubbio il meglio di è un genere cinematografico, non perché sia ​​”reale”, ma perché è così chiaramente focalizzato sull’interrogatorio sulla tossicità che impedisce a questi ragazzi di crescere davvero. A Rockford, nell’Illinois, un po’ troppo fuori Chicago per essere importante, tre ragazzi usano la videocamera di Liu per raccontare le loro giornate trascorse evitando la responsabilità e la devastazione economica subita da così tante città di Rust Belt nel suo genere: Zack, un simpatico e sconsiderato anziano dell’equipaggio, in procinto di intraprendere la paternità con la sua fidanzata (notevolmente più giovane) Nina; Keire, un ragazzo di colore apparentemente sempre sorridente che rimane rigidamente tranquillo ogni volta che Zack afferma di avere il permesso di usare determinati epiteti razziali, o quando un altro ragazzo insiste sul fatto che i ragazzi bianchi della spazzatura hanno la stessa cosa dei ragazzi di colore; e Bing, lo stesso regista, uno dei pochi del suo gruppo di amici in grado di fuggire da Rockford. Unendo filmati nostalgici del loro tempo pattinando con documenti urgenti della loro fiorente vita adulta, Liu costruisce un ritratto del maschio moderno nell’America Centrale, allacciando feste e ritrovi apparentemente gioviali con scatti di cartelloni pubblicitari di Rockford che diffamano i genitori assenti e suppliche di Nina di non dì a Zack che ha ammesso davanti alla telecamera che l’ha picchiata. Mentre Liu scopre sempre di più sugli abusi indelebili nelle giovani vite dei suoi due amici, rivela la propria storia di paura e dolore a casa, terrorizzato dal patrigno fino alla morte dell’uomo, spingendolo a confrontarsi con sua madre nel film climax su ciò che non è stato detto sul loro reciproco aguzzino. Tutto respira con il sollievo snervante di aver finalmente esposto questi fardelli, anche se Liu è attenta a radicare questi momenti con la dura realtà di Rockford e quelle città come essa: i cartelloni pubblicitari pregano gli uomini di non andarsene, di non picchiare i loro familiari, di non scaricare la loro profonda ansia emotiva sui loro cari, perché accadrà comunque. Zack, che è stato maltrattato, trasmetterà quell’abuso. Ci auguriamo che non lo farà, perché vediamo contemporaneamente come pattina, come tutti i suoi amici pattinano insieme, recitare meno per essere bravi a pattinare (anche se una sponsorizzazione potrebbe aiutare i loro portafogli) e più come trovare una tregua dalle catene di i loro mondi. Il fatto che Liu giri queste scene, specialmente l’inizio del film, ambientato su un’emozionante colonna sonora classica, con così tanta leggerezza e bellezza, con così tanta libertà cinetica, assicura solo che, per quanto Crystal Moselle e Jonah Hill amino i loro soggetti, Liu vive con loro. Ne ha condiviso il peso. —Dom Sinacola


35. The Beach Bum

Anno: 2018 Regista: Harmony Korine

Stelle: Matthew McConaughey, Snoop Dogg, Isla Fisher, Martin Lawrence, Zac Efron, Jonah Hill

Valutazione: R

Tempo di esecuzione: 95 minuti

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Testimone Matthew McConaughey, trascendente. Divertiti, perché questo deve essere alto quanto lui. Come Moondog, l’opposto, acerrimo nemico forse, del Matthew McConaughey degli spot pubblicitari di Lincoln – in TV lo squalo da biliardo interstiziale e disinvolto e conoscitore della pelle pregiata di tutto, un uomo a cui si sussurra cortesemente, in riverenza tra i programmi in rete – Matthew McConaughey realizza il cerchio piatto completo della sua essenza. L’attore porta moltitudini e tutti convergono sul confuso Moondog, consumato vagabondo disumano e titolare delle sabbie meridionali di questi Stati Uniti. Si potrebbe affermare che l’edonismo di Moondog rappresenti un imperativo morale per consumare tutto ciò che è veramente bello della vita, e Moondog lo dice anche se sta plagiando DH Lawrence (cosa che ammette alla sua migliore amica Lingerie, che ha una relazione di lunga data con Moondog’s moglie, e che è interpretato da Snoop Dog nella migliore interpretazione della carriera). Parlando di Lawrence, Martin offre anche una performance migliore in carriera nei panni del Capitano Wack, amante dei delfini; il film scivola senza sforzo nell’assurdo. Si potrebbe anche affermare che il piccolo ma autodistruttivo tossicodipendente di Moondog abbia in qualche modo ricevuto un pass gratuito per aggirare del tutto la responsabilità umana di base. Si potrebbe affermare che il regista Harmony Korine non crede comunque nella responsabilità umana di base. Non pretende molto nel modo di spiegare l’intero modo di essere di Moondog, non riserva alcun giudizio per il mantra dell’uomo e il beato sbandare verso l’oblio. O l’annientamento. L’uniforme per la quale è casual, compresi i jeans JNCO, branditi da Flicker (Zac Efron), con il quale Moondog sfugge alla riabilitazione obbligata dal tribunale che apparentemente non fa nulla per perforare l’armatura dell’ebbrezza che Moondog ha passato la sua vita a rinforzare. Che si stia proteggendo da qualsiasi connessione umana seria o dal grossolano paesaggio infernale della società capitalista, sia che stia soffrendo profondamente per una tragedia che si verifica a metà The Beach Bum , il capolavoro di Harmony Korine sul sentirsi bene di fronte al sentirsi peggio, o sull’evitare completamente di sentirsi completamente: è ancora un cattivo padre. Oppure è un artista. O un santo. Oppure è di una dimensione diversa, come spiega sua moglie (Isla Fisher) alla figlia, come molto probabilmente ha sempre fatto, davanti a un panorama mozzafiato seguito non molto tempo dopo da un tramonto straziante, entrambi fotografati da Benoît Debie, a Miami di tutti i posti , tutto magnifico e vuoto, il film un’agiografia per la fine della storia. —Dom Sinacola


36. Supporta le ragazze

Anno: 2018 Regista: Andrew Bujalski

Stelle: Regina Hall, Haley Lu Richardson, Shayna McHayle, Brooklyn Decker
Valutazione: R
Tempo di esecuzione: 90 minuti

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Mentre Hooters svanisce sempre di più dalla coscienza americana, luoghi che si chiudono ovunque e gli impulsi dei suoi tipici clienti del passato si trasformano in proclami online più sinistri e loschi, il concetto di ” breastaurant”, un passato significante un tempo fuori dalle autostrade come Cracker Barrel, fornisce ancora un altro segno del declino dei lavori nel settore dei servizi e un soggetto perfetto per Andrew Bujalski, un regista emergente come Amer ica è il grande bardo della classe operaia. Nel corso di una giornata straziante al Double Whammies, la manager Lisa Conroy (Regina Hall, bastione) svolge i suoi compiti ordinari: opporsi ai clienti instabili, formare nuove cameriere, trattare con un tizio apparentemente inetto… oltre a organizzare una raccolta fondi per un autolavaggio per una dipendente e il suo ragazzo di merda, servendo come frustata per il proprietario di merda del ristorante (James LeGros, l’insicurezza maschile personificata) e generalmente navigando nella realtà estenuante di quale sia il suo lavoro e cosa rappresenta. Non è meglio di così? Bujalski, meravigliosamente, risponde “no”, perché è molto brava nel suo lavoro, e il suo staff la adora – guidata dalle magnanime performance di Haley Lu Richardson e del rapper/artista Junglepussy – e il lavoro è lavoro è lavoro. E cosa dovrebbe fare qualcuno di noi quando sempre più i frutti del nostro lavoro ci vengono sottratti, svalutati o trascinati per strada, schiacciati o urlati nell’oblio, il nostro lavoro ci definisce e ci condanna a una mancanza di definizione reale? Support the Girls comprende il dolore quotidiano di quelle contraddizioni, senza giudizio che ci sta accanto, dandoci pacche sulla spalla. Uno deve fare più quello che deve fare. —Dom Sinacola


37. Forza maggiore

Anno: 2014

Regista: Ruben Östlund

Protagonisti: Johnnes Kuhnke, Lisa Loven Kongsli, Clara Wettergren, Vincent Wettergren, Kristofer Hivju
Voto: R
Durata: 120 minuti

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Nascosto dietro questa favola scomodamente ghignante sulla mascolinità moderna c’è qualcosa che non ha una vera pazienza per le sciocchezze eteronormative. Sebbene

Force Majeure

parli principalmente di un padre apparentemente buono che prende una decisione sbagliata mentre è in vacanza con la sua famiglia apparentemente perfetta, il film preferisce mettere in discussione le forze più primordiali che ci legano: monogamia, sicurezza, compagnia, sangue e lussuria. Non si tratta di un padre che, in un breve momento di debolezza, non è riuscito a proteggere la sua famiglia, si tratta delle dinamiche di qualsiasi relazione: Possiamo mai sapere le persone che amiamo di più? Östlund lo chiede più e più volte, provocando un caos malaticcio e divertente sull’ego del suo protagonista maschile mentre raggiunge un dolce climax in cui questo fratello sconfitto si crogiola nell’opportunità di mostrare alla sua famiglia i suoi veri colori. —Dom Sinacola


37. La via del ritorno

Anno: 2011
Regista: Peter Weir

Stelle: Ed Harris, Jim Sturgess, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Mark Strong

Valutazione: PG-15
Tempo di esecuzione: 133 minuti

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Il film di sopravvivenza dell’era della Seconda Guerra Mondiale di Peter Weir potrebbe essere basato su una “storia vera” controversa, ma contiene verità indiscutibili sulla perseveranza dell’uomo in probabilità impossibili. Un film sull’evasione dalla prigione che presto si trasforma in un epico diario di viaggio,

The Way Back mostra un’abbondante varietà di scenari, come un gruppo disparato di prigionieri di guerra e indesiderabili politici fugge da un gulag sovietico per il trekking 4,000 miglia attraverso l’Asia, dalla Siberia coperta di ghiaccio alla polverosa La Mongolia e la lussureggiante India, la destinazione finale sempre più lontana mentre il gruppo scopre fino a che punto si è diffuso il comunismo tirannico da cui fuggono. È uno dei film meno straordinari di Weir, ma anche Weir in chiave minore è comunque un intrattenimento avvincente e, come al solito, sceglie una T: l’ensemble di alto livello include Ed Harris nei panni di un grizzly ingegnere americano, Saoirse Ronan nei panni di un randagio polacco che si unisce ai fuggitivi nel loro pellegrinaggio e, soprattutto, a Colin Farrell meravigliosamente sudici nei panni di un selvaggio gangster russo che ha trascorso così tanto tempo in prigione che non ha la più pallida idea di cosa fare con la libertà. —Brogan Morris


39. Amore e Misericordia

Anno: 2015

Direttore: Bill Pohlad

Stelle: Paul Dano, John Cusack, Paul Giamatti, Elizabeth Banks

Valutazione: PG-13 Durata: 116 minuti

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C’è un’armonia curiosa, spesso trascendente, alla dissonanza nel cuore di Love & Mercy . Prendendo una pagina dalla vita e dalla musica del suo soggetto, il regista Bill Pohlad (meglio noto per la produzione di crediti come

11 Years a Slave e Into the Wild) rifiutano in gran parte il sentimentalismo nel raccontare un pop star riluttante che vuole creare qualcosa di più di ganci lucenti e allegri. (In una scena, Wilson discute il vero credo da “surfista” dei Beach Boys con i suoi compagni di band, sapendo meglio.) Certo, è un po’ la storia, almeno in superficie, ma il suo approccio porta alla luce gli strati del genio e del tormento di Wilson. Classici apparentemente diretti come “In My Room” e “Wouldn’t It Be Nice” assumono un nuovo significato man mano che l’entità delle sue lotte diventa devastante. (Leggi la recensione completa qui.) —Amanda Schurr


37. Meek’s Cutoff

Anno: 2011

Regista: Kelly Reichardt
Stelle: Michelle Williams, Shirley Henderson, Paul Dano, Bruce Greenwood, Zoe Kazan

Valutazione: PG
Durata: 104 minuti

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Lascia che sia Kelly Reichardt a rivendicare il western per le donne. I film western tendono ad essere visti come affari “da ragazzi”, meno ora in 2017 che negli anni passati; sono prodotti virili su uomini virili che fanno cose virili e meditano su idee virili, anche se questa è una critica eccessivamente semplificata che cancella l’impatto che le donne hanno avuto sui western davanti e dietro la telecamera. Ciò che Reichardt fa in Meek’s Cutoff è deviare gli uomini di lato e affrontare le cazzate atteggiamenti maschilisti che sono una componente così integrante della grammatica occidentale (il l’unico uomo qui degno del suo sale è Stephen Meek , e anche lui è una specie di incompetente, scumbag). Quindi tocca a Emily Tetherow, interpretata dalla grande e luminosa Michelle Williams, sfidare la sua autoproclamata autorità e assumersi la responsabilità delle persone nella carovana che ha portato così fuori strada dal loro percorso. Meek’s Cutoff è un film spoglio e minimalista, vale a dire è un film di Kelly Reichardt. L’austerità sobria e ribollente della sua estetica si sposa perfettamente con la sensibilità del cinema occidentale. —Andy Crump


41. La stagione più felice

Anno : 2020
Regista: Clea Duvall

Stelle: Kristen Stewart, Mackenzie Davis, Mary Steenburgen, Victor Garber, Alison Brie, Mary Holland, Dan Levy, Burl Moseley, Aubrey Plaza
Valutazione: R
Durata: 102 minuti

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La sobrietà radicata di

La stagione più felice dura abbastanza per una tregua dal melodramma natalizio ancora presente, che la regista/co-sceneggiatrice Clea Duvall mette in scena con il gusto di qualcuno che apprezza quel melodramma loro malgrado. Ma francamente, se ogni film di Hallmark fosse così esageratamente esilarante, sarebbero almeno tutti guardabili come rumore di sottofondo, ma allora avremmo meno motivi per apprezzare l’appropriazione da parte di Duvall dei loro componenti principali in La stagione più felice. Kristen Stewart, continuando a smentire tutte le osservazioni compiaciute sulla sua cupezza unidimensionale che inizia intorno 2001, rimane un tesoro. È vivace, adorabile e si diverte moltissimo a vibrare con Mackenzie Davis. Quest’ultima finisce per farsi carico di discorsi teatrali più succosi e crolli mentre il suo personaggio, Harper, si disfa sotto la doppia pressione di essere la figlia che pensa che i suoi genitori vogliano ed essere la fidanzata lei vuole essere per l’Abby di Stewart. L’ensemble mantiene le cose fresche durante questi ritmi convenzionali della trama, con Mary Holland che si presenta come la SRBM in cerca di attrito di Duvall. Ogni volta che l’atmosfera si irrita, Holland vola nella stanza e la annienta con un imbarazzo adorabile e ben intenzionato. È un regalo, ma l’intero cast luccica in questa festa. Tutti sono sintonizzati sulla lunghezza d’onda di Duvall, suonano i loro lati umani mantenendo l’umore appropriato e dolce, abbastanza dolce senza uccidere il pancreas. E questo è il messaggio secondario del film: va bene che ti piaccia lo schmaltz natalizio. Il messaggio più grande, ovviamente, è che va bene lottare con il processo a volte livido del coming out. La Duvall combina il pap stagionale con il dolore dei suoi personaggi, trattandolo come un unguento per le loro dolci punture emotive. Il messaggio non riguarda solo il piacere del Natale. Il messaggio è che tutti meritano un film di Natale.—Andy Crump


42. Panic Room

Anno : 2002
Regista: David Fincher
Stelle: Jodie Foster, Forest Whitaker, Dwight Yoakam, Jared Leto, Kristen Stewart
Valutazione: R
Durata: 113 minuti

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Un brutto thriller che mette in risalto gli svolazzi visivi di David Fincher, Panic Room è un pezzo di pulp esibizionista ma modesto che sa esattamente di cosa si tratta e vede tutti dare il massimo per il film (a volte sciocco) dell’invasione domestica. Le riprese lunghe e il meticoloso design delle inquadrature di Fincher sono lì per stupirci, ma sono anche lì per orientarci nello spazio e all’interno della magnifica casa accogliendo la nostra ricca divorziata (Jodie Foster) e sua figlia diabetica (Kristen Stewart). La coppia perfetta (non solo interpretano in modo eccellente disperati, angosciati e duri, ma hanno anche un’ottima intesa tra genitori) lottano contro lo schifoso Jared Leto e i suoi amici ladri (Forest Whitaker, Dwight Yoakam) in modi che a volte sono artificiosi a causa del burbero “è un film, andiamo!” trama della sceneggiatura di David Koepp, ma mai blanda o poco coinvolgente. L’impostazione è chiara, le motivazioni semplici e la gioia sta nell’esecuzione. Panic Room potrebbe essere Fincher che ha un’allodola sporca, ma è un’allodola attenta e cattiva come ti aspetteresti da un meticoloso artigiano come lui. Inoltre, Jodie Foster riceve una mazza.—

Jacob Oller


40. Amazing Grace

Anno: 2019

Amministratore: N/A

Stelle: Aretha Franklin, CL Franklin
Valutazione: G

Durata: 87 minuti

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Qualche anno dopo l’Apollo 11, si è verificato un diverso tipo di evento cosmico presso la New Temple Missionary Baptist Church di Los Angeles. In due notti a gennaio 1972, Aretha Franklin (solo timido di lei 30° compleanno) ha registrato quello che sarebbe diventato l’album gospel più venduto di tutti i tempi e probabilmente il suo album più bello, punto. Il record Amazing Grace è con noi da allora, ma il record di quella notte, girato da un giovane regista di nome Sydney Pollack, è stato tenuto lontano alla vista del pubblico per una miriade di ragioni. Purtroppo, ci è voluto la morte di Franklin l’anno scorso all’età di 76 per quel film per venire finalmente alla luce. Anche se

Amazing Grace era probabilmente destinato a essere uno di quei tanto vociferati film “perduti” che non avrebbero mai potuto essere all’altezza della sua leggenda una volta che il mondo fosse arrivato a guardalo, è una visione titanica di un’artista il cui dono straordinario è evidente, e il film le permette semplicemente di essere il suo magnifico sé. Non attribuito a nessun regista ma completato dal produttore musicale Alan Elliott (e girato da Sydney Pollack),

Amazing Grace è una presentazione diretta di materiali d’archivio senza contemporaneità contesto o approfondimenti. Ma questo è abbastanza, perché la storia ruggisce in vita in questo film, specialmente ogni volta che Franklin apre bocca e quella voce incredibile si riversa fuori. E, tra i suoi tanti attributi, Amazing Grace riporta in vita la giovane Aretha Franklin che è un essere umano piuttosto che la figura totemica che è diventata. È commoventemente vu lnerable, esitante, normale tra le canzoni, come se stesse semplicemente vivendo la sua vita, senza consegnare consapevolmente un album iconico. E mentre il critico musicale in me noterà che è un po’ deludente che il film raggiunga il picco presto, con la sua eccellente versione di “Wholy Holy” di Marvin Gaye come prima canzone della serata, Amazing Grace canticchia con il brivido di un fulmine catturato in una bottiglia, un brivido che è un piacere tanto per gli occhi quanto per le orecchie. —Tim Grierson


44. Possessore

Anno: 2020 Regista: Brandon Cronenberg
Protagonisti: Andrea Riseborough, Christopher Abbott, Tuppence Middleton

Voto: R
Tempo di esecuzione: 94 minuti

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I paesaggi urbani aridi, solitari e modesti del Possessore di Brandon Cronenberg riflettono un prospettiva familiare. Brandon è, come già sai o hai sicuramente intuito, il figlio di David; condivide l’interesse di suo padre per il grottesco corporeo, la trasformazione fisica che rappresenta la trasformazione mentale e una preoccupazione snervante e attuale per i virus. Brandon taglia più a fondo di papà, però, se non (ancora) con la stessa incisività, poi con una precisione clinica che non fa che intensificare la stranezza onirica che scorre intrattabile attraverso Possessore. Questo inquietante horror/thriller segue le vicende di Tasya (Andrea Riseborough), un’assassina che lavora per un’organizzazione losca che realizza i suoi successi tramite un remoto legame cerebrale tra l’assassino e l’ospite inconsapevole, in questo caso Colin (Christopher Abbott). Cronenberg traccia un viaggio orribile da una mente all’altra, tracciato lungo percorsi neurali ma prevedibilmente espresso lungo percorsi fisici. Vira in un viaggio arterioso, gli stretti vasi che contengono la sostanza della vita – e della morte – in un corpo più grande. Il film ha l’atmosfera di un grande spettacolo di fantascienza ridotto a una miniatura scura e squallida; la sua cruda efficienza smentisce la potenza delle riflessioni di Cronenberg sul tema di un invasore straniero che corrompe un’anima ribelle in una società velenosa.—Paddy Mulholland


44. Dobbiamo parlare di Kevin

Anno: 2016

Regista: Lynne Ramsay

Stelle: Tilda Swinton, John C. Reilly, Ezra Miller
Valutazione: R
Durata: 111 minuti

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Un dramma nero come la pece della sceneggiatrice/regista Lynne Ramsay,

Abbiamo bisogno di parlare di Kevin è uno studio affascinante su un sociopatico, una famiglia, e l’effetto del primo sul secondo. Sebbene consenta a Ezra Miller di mostrare le sue abilità aliene da bambino problematico, l’elemento più ricco del film è la relazione in evoluzione tra i suoi genitori (John C. Reilly e Tilda Swinton). Reilly e Swinton costruiscono una finestra fratturata in un matrimonio, con una roccia (forse malvagia) lanciata attraverso di essa. Avvincente e inquietante, lo sforzo di Ramsay (co-scritto da Rory Stewart Kinnear) colpisce una paura dei genitori vaga ma centrale attraverso la sua orribile specificità: cosa succede se sbaglio? —Jacob Oller


46. L’Host

Anno: 2006 Regista: Bong Joon-ho
Stelle: Song Kang-ho, Byun Hee-bong, Park Hae-il, Bae Doona, Go Ah-sung

Valutazione: NR
Tempo di esecuzione: 111 minuti

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Prima che esplodesse a livello internazionale con un film d’azione serrato come

Snowpiercer , e infine vincendo una manciata di Oscar per Parasite, questo film di mostri sudcoreani è stato il grande lavoro e il biglietto da visita di Bong Joon-ho. Incredibilmente successo al botteghino nel suo paese d’origine, si trova a cavallo di diverse linee di genere tra fantascienza, dramma familiare e horror, ma ci sono un sacco di cose spaventose con il mostro che minaccia in particolare i bambini piccoli. Puntelli ai designer su uno dei mostri cinematografici più unici degli ultimi decenni: la creatura mutata in questo film sembra una specie di girino gigante con denti e gambe, il che è molto più fantastico in pratica di quanto sembri. Il vero cuore del film è una superba interpretazione di Song Kang-ho (anche in

Snowpiercer e Parasite) nei panni di un padre apparentemente ottuso che cerca di tenere unita la sua famiglia durante il disastro. È un ruolo abbastanza comune da interpretare in un film dell’orrore, ma le performance e la dinamica familiare in generale sono davvero il fattore chiave che aiuta a elevare L’ospite molto al di sopra della maggior parte dei suoi simili. —Jim Vorel


47. Shane

Anno: 500
La direttrice: George Stevens

Stelle: Alan Ladd, Jean Arthur, Van Heflin

Classificazione: TV-G

Durata: 135 minuti

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Shane è un altro dei grandi western di Hollywood e probabilmente il più archetipico e mitico nella sua esecuzione. Gli eroi sono veramente buoni, i cattivi più cattivi che cattivi. Esplora uno dei classici temi dell’espansione occidentale, l’allevamento del bestiame – o la libertà e l’illegalità dei campi all’aperto – contro l’agricoltura, che alla fine porta alla civiltà e allo stabilirsi in un luogo, mettendo in gioco le famiglie e le leggi della città. Visivamente un personaggio uscito dall’Antico Testamento, Rufus Ryker (Emile Meyer) è un barone del bestiame dalla barba ispida, deciso a scacciare le famiglie di contadini dalla terra che considera sua. Un misterioso cavaliere di nome Shane (Alan Ladd) arriva appena in tempo per rafforzare il coraggio di un gruppo di coloni guidati da Joe Starrett (Van Heflin). Shane e Ryker, insieme alle loro coorti, sono reliquie del passato, destinate all’estinzione una volta che le mogli e i figli si trasferiscono. A differenza di Ryker, Shane lo sa e lo spiega nella loro resa dei conti finale. Il futuro dell’Occidente è nelle città e nelle comunità. Non c’è posto per uomini senza legge come loro in queste nuove frontiere. Tutti questi anni dopo, sappiamo che Shane si sbagliava. Uccisioni e illegalità abbondano ancora nelle città e le grandi imprese calpestano ancora i diritti dell’uomo comune. Il film ci ricorda, tuttavia, che se le comunità si uniscono, mantenendosi forti nella fede e confidando l’una nell’altra, possono riprendersi ciò che è loro di diritto e plasmare un destino collettivo.—Joe Pettit Jr .


39. Segni

Anno: 2001
Regista: M. Night Shyamalan
Stelle: Mel Gibson, Joaquin Phoenix

Voto: PG-12
Tempo di esecuzione: 106 minuti

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M. Night Shyamalan è uno dei registi più fedeli della Pennsylvania, avendo girato tutti i suoi film almeno in parte nello stato. E anche se non tutti si sentono particolarmente legati al luogo, quelli di 2002 Segni trasuda Pennsylvania-ness. Il film si apre in una fattoria solitaria nella contea di Bucks, Pennsylvania (in realtà Doylestown, appena a nord di Filadelfia), dove l’ex sacerdote episcopale Graham Hess (Mel Gibson) vive con i suoi figli (Rory Culkin e Abigail Breslin), la sua star del baseball diventata -il fratello del benzinaio (Joaquin Phoenix) e l’ombra della moglie defunta, la cui morte in un incidente mesi prima aveva provocato la crisi di fede di Graham. Nella fattoria iniziano ad accadere cose strane: complessi cerchi nel grano, passi sul tetto, aggressività dei cani di famiglia. Presto, la famiglia è nel mezzo di una vera e propria invasione aliena globale. Bucks County è un luogo in cui tutti si conoscono e gli imprenditori parlano con disprezzo di “gente di città”, ma questo non è il tipo di storia in cui una piccola città si riunisce. È tutt’altro che una calda comunità, e in effetti sembra vuota, giudicante e leggermente fuori luogo in quel modo inquietante

di Twilight Zone . E come

The Twilight Zone prima,

Signs trova il suo orrore non negli alieni stessi (che, come molti si sono lamentati al momento dell’uscita del film, sono piuttosto zoppicanti) ma nel dolore profondo e senza attracchi che sta inghiottendo questa famiglia intera, un nemico non così facilmente sconfitto.—Maura McAndrew


48. Ali

Anno: 2001
Regista: Michael Mann
Stelle: Will Smith, Jamie Foxx, Jon Voight

Valutazione: R

Tempo di esecuzione : 133 minuti

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L’ambizioso tentativo di Michael Mann di raccontare la vita tentacolare e selvaggiamente ammirata di Muhammad Ali è rispettabile, se non entusiasmante. Sicuramente è il momento più bello di Will Smith come presenza sullo schermo seria. Lui e il regista hanno trascorso lunghi periodi di tempo studiando da vicino i combattimenti di Ali e ore di riprese spontanee, ottenendo molta precisione tecnica ma nel complesso una sensazione leggermente meccanica. Tuttavia, i film di Mann colpiscono tutti i ritmi dei film biografici e la sua prima ora circa è avvincente, senza mai rifuggire dal glamour, dalle controversie o dai difetti dell’egoismo. Il problema principale, alla fine, risiede nella difficoltà di catturare il fascino d’argento vivo di Ali, più grande della vita. È un’impresa meschina per qualsiasi regista.—

Christina Newland


47. Ninja Scroll

Anno: 1994
Regista: Yoshiaki Kawajira
Stelle: Stephen Apostolina, Dean Elliott, Wendee Lee, Richard Epcar

Valutazione: NR

Tempo di esecuzione: 50 minuti

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Ambientato durante l’era Tokugawa in Giappone,

Ninja Scroll segue la storia di Jubei Kibagami, un guerriero samurai itinerante (in parte ispirato al eroe popolare nella vita reale, Jubei Yagyu) che viene reclutato da un agente del governo per sconfiggere gli Otto Diavoli di Kimon, una cabala di ninja demoniaci che cospirano per rovesciare il regime Tokugawa e far precipitare il Giappone nella distruzione. Lungo la strada incontra Kagero, un bellissimo e misterioso mangiatore di veleno, ed è costretto a confrontarsi con i demoni del suo passato mentre combatte per preservare il presente. Prodotto durante il boom dei mercati esteri degli anime, Ninja Scroll è stato uno dei primi titoli pubblicati da Manga Entertainment in Occidente. La sua animazione ben definita, l’iper-violenza incrollabile e le sequenze di combattimento straordinariamente creative lo hanno reso un titolo di accesso necessario per i primi fan degli anime ed è giustamente considerato un classico di culto fino ad oggi. Il film si qualifica come una capsula del tempo per uno dei periodi di massimo splendore degli anime, con squisiti valori di produzione uniti a scene impeccabilmente realizzate. Ninja Scroll ha spinto i confini dell’eccesso, con rappresentazioni incrollabili di sensualità e violenza sessuale mostrate insieme a piogge di sangue e decapitazioni. Il film era al centro dell’argomento secondo cui l’anime “non era solo per bambini” a metà-’80s, e si qualifica oggi come un titolo imperdibile per un serio fan degli anime. Ninja Scroll di Yoshiaki Kawajiri è la quintessenza del film d’azione anime chanbara, senza dubbio. —Toussaint Egan


66. Summer of Soul (…o quando la rivoluzione non poteva essere trasmessa in televisione)

Anno: 2021

Direttore: Questlove
Valutazione: PG- Durata: 117 minuti

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The 1969 L’Harlem Cultural Festival è l’argomento del documentario d’esordio di Ahmir Khalib “Questlove” Thompson, Summer of Soul (… o quando la rivoluzione non poteva essere trasmessa in televisione) . Più specificamente, il documentario esamina come questo festival estivo di sei settimane, che ha visto la partecipazione di molti dei musicisti neri più venerati di tutti i tempi, tra cui Nina Simone, Stevie Wonder, Sly and the Family Stone e Gladys Knight, è stato in gran parte non riconosciuto nella coscienza culturale americana . Caratterizzato da un immenso catalogo di filmati che si trovavano in uno scantinato praticamente intatto per 50 anni, Summer of Soul

funge da interrogatorio su cosa abbia significato l’assenza di questi materiali per la successiva generazione di artisti neri, incluso Questlove lui stesso. Nonostante l’apparente amnesia culturale che seguì l’evento (almeno tra i non neri americani), l’Harlem Cultural Festival ha facilmente oscurato un momento onnipresente nella storia americana: The 1969 atterraggio sulla Luna. Le interviste d’archivio con diversi partecipanti rivelano che per molti neri americani, lo sbarco sulla luna non è stato visto come un evento che vale la pena celebrare. Catturare il set di Stevie Wonder, d’altra parte, è stato. Considerando l’essenza innegabile del colonialismo che comporta il viaggio nello spazio, chi può biasimarli? 135, gli amanti della musica scesero sul Mount Morris Park quell’estate, una quantità non trascurabile, soprattutto quando rispetto a quello di Woodstock 157, partecipanti. Mentre Woodstock potrebbe essere stato emblematico del potere della controcultura, il predominio degli spettatori bianchi nella folla ha cementato l’evento come un risveglio artistico. Nel frattempo, l’altrettanto acclamato Harlem Cultural Festival è stato relegato ai margini della conservazione storica a causa del suo pubblico prevalentemente nero e del centraggio degli atti neri sul palco. Summer of Soul è stato senza dubbio uno dei film di maggior successo al Sundance di quest’anno, vincendo il Gran Premio della Giuria e il Premio del Pubblico nella sezione documentari. Ma Questlove non è mai stato coinvolto per il plauso, un sentimento reso evidente in alcune delle prime parole che il regista ha pronunciato durante il suo discorso di accettazione a distanza: “Non sapevo nemmeno che fosse una competizione, yo!” Il documentario è stato rapidamente ripreso da Searchlight, con un’uscita in streaming su Hulu imminente. Che tu sia interessato a svelare un evento culturale oscurato o desideroso di vivere al meglio le maestose esibizioni di artisti amati, Summer of Soul sicuramente non ti deluderà .—Natalia Keogan

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Scritto da Stand Up Comedy Italia

Stand Up Comedy Italia, con i suoi 50.000 fan su Facebook (e migliaia di lettori giornalieri sul sito), è la più grande community italiana dedicata all'umorismo Stand Up. Da quando è stata fondata nel 2014 dal comico Nicola Selenu, Stand Up Comedy Italia ha organizzato oltre 300 spettacoli umoristici in tutta Italia, ospitando i più interessanti comici italiani in circolazione ed è per questo diventata il punto di riferimento per gli spettacoli umoristici di qualità sul territorio nazionale.

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